Archive for March, 2006

El Metropolitan Museum dedica una exposición al poder de la feminidad egipcia

Nueva York, 29/03/06
El Poder de Hatshepsut

Desde hoy y hasta el próximo 9 de julio el poder femenino en el mundo egipcio quedará representado en la exposición “Hatshepsut: From Queen to Pharaoh”, donde la labor de Maat Ka Ra, mejor conocida como Hatshepsut, es estudiado a profundidad. Hija del faraón Thutmosis I y perteneciente a la Dinastía XVIII, Hatshepsut es una de esas figuras de la historia que ha dejado sobre ella no sólo fascinación sino gran interés en virtud de la singularidad de su personalidad. En una época de guerreros logro imponerse gracias a sus buenas gestiones gubernamentales, que a pesar de no corresponderle llegaron a ser más importantes que la de los propios mandatarios.

El Metropolitan Museum de Nueva York quiere con esta exposición mostrar la importancia de Hatshepsut en la historia y exaltar el papel que ella jugó en el desarrollo del arte de su época, donde la escultura, la arquitectura y las artes decorativas en general, hicieron de esta mujer su motivo principal durante dos décadas hasta que misteriosamente desapareciera de la escena pública, no se sabe aún por qué causas.

SONETO XXVII

por Miguel Angel buonarroti
Escrito alrededor de 1533. Para Cavalieri.

Hubiera creído, el primer día que
miré tanta belleza única y sola,
detener los ojos como águila al sol
en la menor de las tantas que anhelo.
Conocí después mi caída y mi error:
quien sin alas quiere a un ángel seguir,
siembra en piedras, esparce al viento
las palabras y con el intelecto busca a Dios.
Así es que, si cerca no soporta el corazón
la infinita beldad que deslumbra los ojos,
ni lejos me da calma o confianza,
?qué haré?, ?qué guía o escolta
podrá contigo valerme o ayudarme;
si al acercarme ardo y al partir me matas?

ESCULTURA GRIEGA: TÉCNICAS

por Rudolf Wittkower.
La escultura: procesos y principios
Alianza forma. Madrid.

Las primeras esculturas griegas, - más o menos las que van desde mediados del S. VII a.C. hasta casi la mitad del S. V a.C. - fueron ejecutadas en gran medida a base de labor del puntero.
En otros períodos se utilizó intensamente el trépano, y no es de extrañar así que los resultados varíen considerablemente. No obstante, los útiles más importantes han sido siempre, y siguen siéndolo, el puntero, el cincel plano y el dentado, y el trépano. (…)
El golpe de puntero, aplicado al bloque en ángulo recto produce, más que surcos, muescas. En el torso masculino encontrado en la isla de Naxos (…),


la parte delantera, la posterior y también los dos costados de la figura presentan exactamente el mismo estadio de preparación: el mármol punteado por pequeños agujeros. Es evidente que el escultor había aplicado el puntero en ángulo recto, sin utilizar ningún otro tipo de golpe.
Tenemos que suponer la existencia de un estadio preparatorio inicial, anterior al de la ejecución que presenta esta inacabada figura arcaica. En primer lugar, el escultor debió desbastar el bloque de mármol hasta conseguir una forma más o menos regular. Una vez hecho esto. Lo más probable es que dibujara. en los diferentes planos del bloque rectangular, la figura de frente, de espaldas y de ambos costados. Y es muy probable que lo hiciera así por razones inherentes al mismo procedimiento, pues el escultor tuvo que necesitar unas líneas directrices que le permitieran llevar a cabo una interpretación coherente de su figura. Además, sabemos por muchos ejemplos posteriores que, cualquiera que fuera el lugar y el momento histórico, el artista que trabajaba directamente sobre la piedra sentía siempre la necesidad de trazar antes un dibujo sobre la superficie del bloque.
Siguiendo, pues, estas líneas previamente dibujadas, el escultor empezó a trabajar con el laborioso puntero. En esa fase se abandonó la ejecución, pero el aspecto de la estatua inacabada es lo bastante revelador corno para que podamos reconstruir a partir de él todo el sistema de trabajo (…) Es evidente que no se limitó a trabajar exclusivamente por un lado, a profundizar primero por una sola de las caras del bloque y luego por otra y otra, sino que vio la necesidad de hacerlo simultáneamente por las cuatro caras. De haber seguido, lo habría hecho de la misma forma: quitando, lenta pero continuamente, una capa tras otra de todo el contorno de la figura. En el paso o pasos siguientes habría utilizado unos punteros más finos, para terminar pulimentando las zonas rugosas mediante procedimientos abrasivos.

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DAVID D’ANGERS

PIERRE-JEAN DAVID D’ANGERS

A HUMBERT DE SUPERVILLE

David d’angers, escultor de Thomas Jefferson y del frontón del Panteón de París, era un artista menos romántico que sus más conocidos contemporáneos Rude y Barye. Su objetivo era hacer un arte “nacional” y ponerlo al servicio de la democracia esculpiendo las efigies de hombres famosos para que sirvieran de constante exhortación a la virtud.

Humbert de Superville era director del Museo de grabados y reproduciones, recientemente fundado en su ciudad natal de Leyden.Como artista era más conocido por sus vigoroso experimentos en litografía.

LOS TRAJES MODERNOS Y EL DESNUDO.
1832.

Estáis en lo cierto, señor: la escultura solo puede ser digna de la veneración de los hombres cuando crea símbolos venerables. En los colosos egipcios es un mito, una religion. Más tarde en los griegos, no es sino una representación del individuo, aunque sea un individuo de elección; sus artistas son naturalistas; con todo, su mision era todavía muy bella. A nosotros, modernos, es el retrato de cuerpo entero del individuo, no tal como salió de manos del Creador, sino enmascarado, disfrazado con la casaca inventada por el estúpido cerebro de un sastre, he aquí lo que nos ocupa. ?Es en verdad una cosa bien preciosa, fijar para la posterioridad las excentricidades de la moda?

Y, sin embargo, ?que hacer? A pesar de todo, hay que recoger los rasgos de los hombres grandes por su genio o por sus beneficios a la humanidad. Es útil reavivar el recuerdo de estos santos, demasiado raros en verdad, y mantenerlos en la memoria de aquéllos a quienes han intentado mejorar, estimulándolos más tarde con los pacíficos honores que le son concedidos.

En cuanto a los trajes, no se podrá convencer nunca a los hombres de que persistan en las mismas formas, aunque éstas sean bellas. El carácter voluble de la humanidad y las necesidades de la industria son obstáculos insuperables.

No sé por qué encontramos tanto placer en lanrepresentación artística de animales y por qué no preferimos copiar el más bello ser que ha salido de la voluntad del Creador. EL desnudo no es indecente sino cuando los actos reproducidos no son castos. El arte estatuario debe ser puro y virginal; aquí están su esencia y su carácter, pero ello depende de la moralidad del artista.

PARA PENSAR

La realidad, tal como se muestra a nuestros sentidos, no me interesa. Me interesa la evocación, la representación de la realidad, asimilada, digerida, comprendida.

Manuel Domínguez Guerra

Aura y experiencia estética

por Walter Benjamin

Walter Benjamin (1892-1941) es uno de los pensadores decisivos del siglo XX. En su vasta obra la reflexión estética tiene un lugar de privilegio, pero no en el sentido de la contribución a una disciplina particular establecida, sino como estrategia esencial para abordar los problemas culturales, sociales y políticos de la modernidad. Su ensayo “La obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica” contiene uno de los planteamientos más relevantes en el contexto de las teorías contemporáneas sobre el arte. Allí destaca la significación de los procesos de reproducción, llamando la atención sobre la revolución histórica que implica la invención de la fotografía, primeramente, y luego del cine, en la cual cree advertir el germen de un nuevo estatuto del arte. En el curso de las consideraciones que apunta sobre este acontecimiento, elabora el concepto de “aura”, que ha ingresado en el léxico estético con un vigor y un alcance universales. Este concepto ofrece una interpretación crítica de lo que se ha entendido tradicionalmente por “estético”, en la medida en que indica las condiciones sociales desde las cuales se configura la “experiencia estética”. Aquí reproducimos algunos pasajes de los acápites II, III y IV del mencionado ensayo.

[…]

II

Aun en la más perfecta reproducción cae una cosa: el aquí y ahora de la obra de arte —su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra. Pero en esta existencia irrepetible y en ninguna otra cosa se llevó a cabo la historia a la que estuvo sujeta en el curso de su perduración. […]
El aquí y ahora del original constituye el concepto de su autenticidad. […] Todo el dominio de la autenticidad se sustrae a la reproducibilidad técnica —y naturalmente no sólo a ésta. Mientras lo auténtico conserva su plena autoridad frente a la reproducción manual, que fue tachada regularmente como su falsificación, no es tal el caso frente a la reproducción técnica. La razón es doble. En primer término, la reproducción técnica se muestra más independiente que la manual frente al original. […] En segundo término, la copia del original puede además ponerlo en situaciones que no son accesibles para el original mismo. […]

Lo que cae aquí puede ser resumido en el concepto del aura, y decirse que lo que colapsa en el época de la reproducibilidad técnica de la obra de arte es su aura. El proceso es sintomático: su significación apunta más allá del dominio del arte. La técnica de la reproducción, podría formularse en términos generales, emancipa lo reproducido del reino de la tradición. Al multiplicar la reproducción, pone en el lugar de su aparición irrepetible su aparición masiva. Y al permitirle a la reproducción confrontar al espectador en su respectiva situación, actualiza lo reproducido. […]
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“Michelangelo Drawings: Closer to the Master”

Dibujando el Renacimiento

El British Museum resalta la maestría de Miguel Ángel a partir de sus bocetos

Del 23 de marzo al 25 de junio de 2006, en el British Museum de Londres

Produce: Metaphor
Patrocina: BP
Obras: dibujos procedentes de las colecciones del British Museum, Ashmolean Museum en Oxford y Teyler Museum en Haarlem.

Da inicio una de las grandes exposiciones que a lo largo de la presente temporada tendrán lugar en el londinense British Museum. Una cita con un maestro del Renacimiento es siempre un motivo de expectación, máxime si es la primera exposición que este destacado museo le dedica en los últimos 30 años y si se le sabe dar un enfoque novedoso a algo que, en mayor o menor medida, ya es conocido por buena parte de los amantes de la historia del arte. No obstante, siempre es un placer admirar un dibujo de Michelangelo Buonarroti, cuyo talento le situó en la cima del arte del siglo XVI por ser un artista completo, aunando al arquitecto, pintor, escultor y humanista de un modo magistral que muy pocos después han sabido o podido repetir. Y es, precisamente, en todo ese compendio de cualidades donde el dibujo se perfila como el denominador común entre todas ellas. La originalidad de sus frescos, la habilidad para esculpir el mármol o los diseños para alzar sus arquitecturas han pasado previamente por un proceso de concepción a través del lápiz sobre el papel.

“Michelangelo Drawings: Closer to the Master” reúne 95 estudios del artista, procedentes de tres de los museos que poseen las mejores colecciones de dibujos del italiano: el Ashmolean Museum en Oxford, el Teyler Museum en Haarlem y el propio British Museum. Junto a los dibujos, la muestra se completa con pinturas prestadas por la National Gallery de Londres, algunas esculturas y cartas conservadas en la British Library.

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Jean – Auguste – Dominique Ingres

DE SUS NOTAS Y PENSAMIENTOS SOBRE ARTE

Las opiniones de INGRES, fueron reunidas por primera vez en 1870, tres años después de la muerte del pintor, por su amigo el Vizconde Henri Delaborde.Delaborde las extrajo de cartas de Ingres a sus amigos y discípulos , de informes oficiales que Ingres (como director de la Academia Francesa de Roma) había tenido que redactar, y de conversaciones y críticas de taller que habían sido anotadas casi al momento y que por tanto pueden considerarse como transcripción auténtica del maestro.

EL ARTE Y LA BELLEZA

No hay dos artes, sólo hay uno : es el cimentado en la belleza, que es eterna y natural.Los que buscan en otro sitio se engañan a sí mismos, y de la manera más fatal. ¿ Que pretenden éstos que se dicen artistas, cuando predican el descubrimiento de lo“ nuevo “? ¿Hay algo nuevo? Todo ha sido hecho, todo ha sido descubierto. Nuestra tarea no es inventar, sino continuar, y bastante quehacer tenemos si, siguiendo los ejemplos de los maestros, utilizamos estos innumerables tipos que la naturaleza constantemente nos ofrece, si los interpretamos con cordial sinceridad y los ennoblecemos con este estilo puro y vigoroso sin el cual ninguna obra tiene belleza. ¡Cuán absurdo es creer que la disposición natural y las facultades pueden ser afectadas por el estudio __o por la imitación __ de las obras clásicas! El tipo original, hombre, subsiste todavía: sólo tenemos que consultarlo para saber si los clásicos han acertado o no y si, cuando usamos los mismos medios que ellos, mentimos o decimos la verdad.

El Lugar de la Escultura

por Juan José Martín Gonzáles
enLas Claves de la escultura
Ed. Planeta. 1995

El Lugar de la Escultura

Por lo común, las piezas escultóricas son creadas para ocupar un sitio determinado. Con frecuencia, andando el tiempo, son trasladadas a otro sitio, y muchas terminan en los museos. Por tanto, para valorarlas debidamente hay que tener en cuenta el emplazamiento que sus autores les destinaban.

Hay que considerar en primer lugar la distancia física entre la escultura y el espectador, sobre todo cuando el acercamiento a la obra no puede rebasar ciertos límites. En estos casos es evidente que la figura tiene que reunir ciertas condiciones en relación con esa distancia. Una escultura concebida para ser contemplada desde lejos debe ser de tamaño superior al natural y, además, sus detalles deben perder minuciosidad. Lejos de ser una imperfección, esto constituye una exigencia de la perspectiva. Es lo que acontece con las esculturas que se colocan en los retablos españoles desde el Renacimiento. Las emplazadas en el primer cuerpo, próximas al espectador, presentan finura en la ejecución de los detalles, en tanto que las situadas en las partes altas son de rasgos más elementales y resultan bastas e insípidas cuando se las mira de cerca; están creadas para ser apreciadas a distancia.

Por escultura «monumental» se entiende la que se inscribe en un edificio, dentro o fuera de él.

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EL ARTE FIGURATIVO EN LA GRECIA CLÁSICA

por Rene Huygue .
en El Arte y el Hombre

En el dominio del arte figurativo, el final del siglo VII y el comienzo del VI marcan en Grecia un cambio importante.
Por una parte, lo que podemos llamar arte decorativo—cerámica, relieves de toda especie (de piedra o de mármol, de bronce o de metal, de marfil), figurillas de metal o de terracota—concede en lo sucesivo a la figura humana un lugar preponderante, reduciendo a un papel secundario la decoración no historiada.
Por otra parte, acaba de realizarse un acontecimiento capital: la aparición de la gran escultura, que desde sus comienzos lleva algunas de sus experiencias hasta lo colosal, como se ve en las estatuas de Sunion. Ahora bien, la gran escultura se interesa también esencialmente por la persona humana y en especial por el hombre desnudo.

Naturalismo y abstracción

Así, desde comienzos del siglo VI, el arte griego se orienta por un camino que será el suyo, el camino del humanismo, al que fue conducido naturalmente por el politeísmo antropomórfico que lo inspiraba.

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