-Jean Arp –
(Francia, 1887-1966)
Escultor, pintor y poeta francés,
Violetas rojas
” Las flechas se mustian en su vuelo
las alas se pierden hacia el mundo de las hojas
alas y hojas se confunden
las estrellas sirven de lunares
al cielo profundo como tus ojos
el patio de las flores grajea y ríe
en una luz arrodillada
la cadena de los espejismos se rompe
en la nube incrustada de besos
una jornada embalsamada
cae de una joroba de frutas
las garras sueltan un pequeño hurto
una nube verde danza con dos piernas de relámpagos
luego las violetas crecen más deprisa
niños hermosos como violetas
danzan como nubes
pequeños más pequeños que de costumbre
charlan con un pequeño invisible
yo olvido mi cuerpo
lo vivo se junta con lo muerto
los juegos se desunen
niños hermosos como violetas
danzan como olas
aceleran sus saltos
danzan con fuerza y vigor exasperado
vuelcan lo hendido y lo virgen
todo gira rueda se precipita
las violetas se vuelven rojas
el día se acuna en sus fluideces
sus coronas de luz
sus follajes imperecederos
la noche me tiende una estrella
y Sophie agita la flor del sueño
en la campana del cielo. “
En la web de:
El Poder de la Palabra
Barcelona - Nueva York
REFLEXIONES SOBRE LA ESCULTURA
Falconnet era hombre de multiples aficiones en el campo de la literatura y de la estética. Era amigo de Diderot, quien le proporcionó el encargo de la estatua de Pedro El Grande. Durante los cuatro años de su estancia en Rusia ( hasta 1778 ) fué en cierta manera el consejero estético de la emperatriz Catalina, y no fué substituído sino por el erudicto Grimm. Cambió una extensa correpondencia con Diderot, tradujo parte de Plinio, y escribió Observaciones sobre la estatua de Marco Aurelio y reflexiones sobre la Escultura
ARTE Y NATURALEZA.
Al proponerse imitar la superficie del cuerpo humano, la escultura no debe limitarse a crear un frío parecido, como el que podia haber tenido el cuerpo antes de recibir el soplo vital… La naturaleza viva, animada y apasionada : he aquí lo que el escultor debe reproducir en piedra o mármol.
Ls escultura es sobre todo enemiga de estas actitudes artificiales que la naturaleza aborrece, y que muchos artistas han representado sin necesidad, meramente para demostrar su destreza en el menejo de su material…
El mayor, más noble y más impresionante fruto del genio del escultor solo debe expresar relaciones posibles en la naturaleza : sus efectos, sus fantasias, sus singularidades. En otros terminos, lo bello — lo bello que nosotros llamamos ideal — debe, en escultura como en pintura, ser una suma de la belleza real en la naturaleza.
Por Robert Goldwater y Marco Treves
En “ EL ARTE VISTO POR LOS ARTISTAS “
Selección de textos de los siglos XIV a XX
Periodización Agustiniana
La Cultura Agustiniana, empezó a ser estudiada desde finales del siglo XIX pero los resultado de evaluar y datar los diferentes hallazgos arqueológicos, han dado resultado desde la decada de los 50 y a medida que se van encontrando y estudiando más hallazgos puede que la tabla que viene a continuación vaya cambiando :
Evolución de la Cultura Arqueológica de San Agustín
(Duque - Cubillos,1993)
Arcaico
Pre Agustiniano 3300 A.C —- 1000 A.C
Lascas de Piedra Basaltica sin retoque.
Recolección ?.
Formativo Inferior Superior
Mesitas Inferior 1000 A.C —– 300 D.C
Lascas de Obsidiana y Basalto - Percutores de piedra dura.
Telas de Corteza de Arbol.
Tumbas de Camara Lateral
Copas de base alta, platos.
Monocromia, Pintura Bicolor, Pintura Negativa, Decoración Incisa.
Comienzos de Orfebrería.
Agricultura del Maíz - Recolección del Nogal.
Caza.
Clasico Regional
Mesitas Medio 300 D.C —– 800 D.C
Monticulos Funerarios - Sarcófagos Monolíticos.
Aterrazamientos - Muros de Contención.
Arte Escultórico Monumental.
Entierros Secundario En Urna.
Cerámica del Periodo Anterior
Fundición Cera Perdida - Alambrado, Engarzado y Laminado.
Armas y Escudos
Reciente
Mesitas Superior 800 D.C —– 1550 D.C
Arte Escultórico Naturalista ( Quinchana ).
Nuevas formas decorativas en la Cerámica : Granulada, Estampada y Achurada.
Agricultura del Maní y el Chontaduro.
Fabricaron Textiles.
Casas Circulares.
Regularización de las Aguas lluvias.
Población Nucleada - No Urbana.
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Por AUGUSTO RODIN
En “El Arte “ de Paul Gsell
Al final de la larga calle de la Universidad, muy cerca del Campo de Marte, en un verdadero rincón de provincia desierto y monástico, se encuentra el Deposito de Mármoles.
En un amplio patio invadido por la hierba, duermen pesados bloques grisáceos, mostrando a pedazos recientes roturas de un blanco escarchado. Son los mármoles que el Estado guarda en reserva para los escultores a los que honra con sus encargos.
En uno de los costados de ese patio se alinean una decena de talleres, que fueron concedidos a diversos estatuarios. Pequeña ciudad artística, maravillosamente tranquila.
Rodin ocupa dos de esas celdas. La una abriga su Puerta del Infierno, vaciada en yeso y muy atractiva en su estado inconcluso. Trabaja en la otra.
En más de una ocasión he ido a visitarlo a ese lugar, por las tardes, cuando él terminaba su jornada de noble labor. Tomando una silla, esperaba el momento en que la oscuridad lo obligaría a detenerse. El deseo de aprovechar los últimos rayos del sol, lo ponía febricitante.
Lo veo amasando en el Barro pequeños y rápidos esbozos. Este es un juego en que se complace en los intervalos de los cuidados más pacientes que prodiga a las grandes figuras. Esos bocetos realizados de un golpe lo apasionan, porque ellos le permitan captar al vuelo bellos gestos y ademanes cuya fugitiva verdad podría escapar a un estudio más detenido, pero más moroso.
Su método de trabajo es singular.
En su taller circulan o descansan modelos desnudos, hombres y mujeres.
Rodin los paga para que ellos lo provean constantemente de imágenes de desnudeces evolucionando con toda libertad de la vida. Los contempla sin cesar, y es así como se familiariza, desde hace mucho tiempo, con los músculos en movimiento.
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Competición entre Parrasio y Zeuxis
Por Plinio
en Textos de Historia del Arte
Edición de Esperanza Torrego
Colección del libro la Balsa de la medusa
Vizor ed.1987 Madrid
Pág 92 y 93 #s 61 a 65
61 … “ Las puertas del arte, abiertas por Apolodoro, las franquó Zeuxis de Heraclea el año 4, de la olimpiada 95, y condujo a su pincel, que ya se permitía ciertas osadías, a una gran Gloria… “
62 … “ Contra él, Apolodoro, menciionado más arriba, hizo un verso que decía que Zeuxis llevaba consigo el arte que había robado a sus maestros …”
63 …” Zeuxis es autor de una Penélope en la que parece que había logrado representar el carácter de ella, y de un atleta del que se sintió satisfecho que escribió debajo este verso, que se hizo célebre a partir de esto: < uno le llegaría a odiar más fácilmente que imitar>. …
64 …” Contemporáneos suyos y rivales fueron Timantes, Andrócides, Eupompo y Parrasio.
65 Se cuenta que este ultimo compitió con Zeuxis : éste presentó unas uvas pintadas con tanto acierto que unos pájaros se habían acercado a la escena, y aquél presentó una tela pintada con tanto realismo que Zeuxis, henchido de orgullo por el juicio de los pájaros, se apresuró a quitar al fin la tela para mostrar la pintura, y al darse cuenta de su error, con ingenua verguenza, concedió la palma a su rival, porque él había engañado a los pájaros, pero Parrasio le había engañado a él, que era artista.
Por Miguel Angel Buonarroti
Escrito alrededor de 1534, para Cavalieri.
El sentido del primer terceto y el subsiguiente verso, es el que sigue : Así como el líquido terrestre –la lluvia— descendido puro del cielo, se hace diverso, en la savia,
Según las varias semillas que alimente, así quien siembra suspiros, lágrimas y penas sólo puede recoger llanto y dolor.
Así como en la pluma y en la tinta
vive el alto, el bajo y el mediocre estilo,
y en los mármoles la imagen vil o rica,
según tratarlos sepa nuestro ingenio;
igual, querido señor mío, en vuestro pecho
hay tanto orgullo como acto humilde;
más yo sólo lo que a mí esparecido
saco, cual mi rostro bien enseña.
Quien siembra suspiros, lágrimas y duelo,
( el humor del terrestre cielo, puro y solo,
en varias semillas se convierte en vario ),
sólo llanto y dolor obtendrá en siega;
quien mira alta beldad con daño tanto,
sacará duelo y pena acerbo y cierta.
Por PIETRO BERRETTINI DA CORTONA
El extracto siguiente está tomado de un Tratado de Pintura y Escultura (Florencia, 1652 ), compuesto por el pintor y arquitecto Berrettini en colaboración con el jesuíta Padre G. D. Ottonelli. Son por tanto típica expresión del punto de vista barroco oficial, y deben compararse con las opiniones anteriores de Ammannati.
EL DESNUDO
Las imágenes desnudas no son per se obscenas, pues a juicio de mucha gente tales imágenes han sido pintadas sin obscenidad. Pero, por mi parte, pienso que esto sucede raras veces y en la práctica ordinariamente no ocurre, porque lo más frecuente es que el pintor de desnudos los represente con cierta inmodestia. Y tampoco es digno de mostrar su destreza, pinta y exhibe, no digo ya las ilícitas relaciones de Marte y venus, sino los abrazos legítimos de un matrimonio en desnudo, pues no nos es permitido mostrar en público todo lo que estamos autorizados a hacer en privado.
Por Juan José Martín González
LA EXPRESION
«Expresar» es el objetivo del arte. Pero el repertorio que se ofrece es ilimitado, de lo más próximo a la realidad a lo más distante. Esto es así ya desde la prehistoria. Realismo y abstracción se alternan constantemente en la evolución artística y cualquiera que sea la postura que se adopte, ello no es decisivo, pues lo que cuenta es el potencial inventivo.
Tomar la realidad por modelo ha sido actitud habitual del artista y la suprema realidad para un escultor es el cuerpo humano. El estudio de éste se profundizó durante el Renacimiento con la disección de cadáveres. En el siglo XIX estaba muy extendido el procedimiento del vaciado, que obtenía previamente un molde sumergiendo el cuerpo en una masa blanda que se iba endureciendo lentamente. La difusión de esta práctica indujo a dudar de la legitimidad creativa de aquellos escultores que sin utilizarla conseguían resultados de gran verosimilitud. Rodin fue objeto de injustos ataques por este motivo, a pesar de que nunca utilizó este procedimiento. El estudio del cuerpo humano, sujeto esencial en la obra escultórica, presenta diversas facetas. La primera es la puramente anatómica. Así, en el renacimiento los libros de anatomía se convierten en obras de continua consulta para los escultores. Destacan las obras de Vesalio y del español Juan Valverde de Amusco. Pero la anatomía remite a un funcionamiento, a la fisiología. El cuerpo humano es una máquina cuyo funcionamiento el escultor debe conocer. Leonardo da Vinci sintió un gran interés por la mecánica corporal, hecho que ha quedado reflejado en sus observaciones y, sobre todo, en sus diseños.
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