Archive for August, 2006

Giacometti

Dicen los biógrafos y especialistas de la obra de Giacometti que su escultura tiende a la ausencia y que por ella y por su huida, la producción de Giacometti abre el campo libre a los poetas. Se comprende que Sartre viera en él a un escultor de la existencia.
Hombre profundo y de visión subjetiva, Giacometti crea una plataforma que constituye una apuesta por el individuo y la autenticidad; de ahí su disidencia sustantiva, plasmada en el admirable resultado de su reflexión; reflexión y corrección constante que, a la manera berhardiana, nos muestra que, junto a la posesión acuciante para actuar y pensar cada vez con más intensidad, está el proceso de continua corrección.
La obra de Giacometti resulta clarificadora y gratificante, tan resueltamente opuesta a la trivialidad reinante, tan empeñada, en fin, en preservar para el individuo un espacio propio e inexpugnable, donde suenen sonidos personales. Este es el trabajo realizado por Giacometti a lo largo de su existencia, que fue una vida de realización y de reflexión sobre los problemas del hombre contemporáneo, enfrentado con la deshumanización, el desamor y la soledad.
Filósofo del instante, Giacometti sabía, como si tuviera un sismógrafo en el cerebro, cuándo sus obras eran dignas del final y del resumen de su pensamiento.

En el camino de las preguntas inútiles.
Por Michel Troche.

Mirando una escultura de Giacometti, me permito el lujo -inútil en mi opinión- de plantearme una pregunta, en lugar de contemplarla simplemente.
Pero ¿se puede ver algo simplemente? De otro modo ¿habría escultura? Las hay desde hace tiempo ya e incluso desde el nacimiento del mundo, que en cierto modo se puede considerar, después del big-bang, como la invención de una gran escultura.
Me pregunto si la escultura de Giacometti tenía un sentido fuera de su taller, fuera de este inmenso y minúsculo laboratorio, de este athanor desprovisto de lujo, pero cargado con el sello de todas la interrogaciones de Giacometti, las inquietudes, las angustias, las obsesiones, las obstinaciones; fuera del lugar humilde y maravilloso que vio hacer y deshacer durante meses el rostro de Isaku Yanaikara y de James Lord.
¿No es un poco falso mirar esta escultura allí colocada, en un lugar privilegiado, fuera de su medio natural, de la sombra que la protegía, de la historia de su génesis y de sus resurrecciones, perpetuamente animada por la esperanza de una imposible semejanza, arrancada en suma como una planta fuera de su maceta? ¿No es también falso exponerla de esta forma, como mostrar máscaras africanas, fuera de la fiesta, del pavor o de la adoración que daban sentido a su aparición? ¿No es esto una traición?

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SONETO XLIII/Por Miguel Ángel Buonarroti

Escrito entre 1535 y 1541.
El voi ( os ) del verso final debe aludir a Cavalieri.


Quien hizo, y no de cosa alguna,
el tiempo, que no estaba antes que ninguno,
hizo con él dos partes y al alto sol dio una,
y otra, mucho más cercana, dio a la luna.
De donde el caso, la suerte y la fortuna
en tal momento de cada cual nacieron;
a mi me consignaron el tiempo oscuro
al que me asemejo desde parto y cuna.
Y como quien se contraría a si mismo,
cuanto más noche es, y hay más negrura,
más me adentro en el mal, daño y aflijo.
Mas me consuela que aún me sea concedido
hacer claro día de mi noche al sol
que os fue dado al nacer por compañero.

PARA PENSAR

El arte es la lágrima de un angel, el suspiro de una flor, el grito de una roca, la angustia existencial

Anónimo

El Hombre Agustiniano y la Religión

Cultura Megalítica de San Agustin –Huila/Colombia
RELIGION Y MITOLOGIA

Una de las tareas más arduas en el estudio de la cultura agustiniana, es la interpretación del arte convencional o simbólico expresado en la estatuaria, máxime si se tiene en cuenta que no se dispone de ninguna noticia escrita, ni siquiera de tradiciones, acerca de las formas de vida material y espiritual de estos antiguos pueblos. Bien sabido es que uno de los fundamentos para la interpretación de las manifestaciones artísticas primitivas es el conocimiento profundo de sus formas religiosas, sin el cual es casi imposible comprender los símbolos que llevan implícitos sus expresiones estéticas. Por esta razón, los estudios que en este aspecto de la cultura agustiniana puedan realizarse, serán forzosamente vagos y sólo permitirán una supuesta estructura religiosa sobre la base de la comparación con formas artísticas similares de otras regiones americanas en las cuales la reconstrucción cultural ha contado con mejores indicios. En Colombia, como en Mesoamérica, las creencias religiosas de los nativos dieron origen a un complicado culto ceremonial, en el cual jugó un papel de señalada importancia el ritual en las danzas de enmascarados. Aún persiste esta práctica entre varias de las tribus que habitan en la Amazonia, las cuales emplean disfraces fabricados de tela de corteza de árbol pintados de varios colores. K. Th. Preuss hace mención del uso que todavía tenían de máscaras en los ritos y ceremonias especiales, a principios del siglo, las poblaciones indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta, máscaras en las cuales vio grandes similitudes con las representaciones antropozoomorfas que son frecuentes en el arte escultórico de San Agustín. Así, puede afirmarse que muchos de estos monolitos del Alto Magdalena no son otra cosa que figuras enmascaradas, con las cuales se quiso representar ancestros míticos.

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Las Claves de la escultura/Las proporciones

El tamaño, el peso y la proporción son aspectos fundamentales de la pieza escultórica. El tamaño es función de la distancia que la separará del espectador. El tamaño pequeño conviene a aquella obra destinada a la esfera de la vida privada, ya que, en cuanto objeto asible, permite una profunda relación afectiva. Pero cuando su tamaño aumenta debe dirigirse a la comunidad. Lo que era diminuto y delicado llega a ser colosal, y su apreciación reclama una distancia adecuada. La sensación de peso y esfuerzo va unida a la del tamaño . Evidentemente, no son nociones estéticas, pero no pueden dejar de intervenir en la valoración espontánea del espectador.

Con todo, el verdadero núcleo de la cuestión es la proporción, cualquiera que sea el tamaño de la obra. No hay duda de que en todas las épocas y estilos la teoría y la práctica de las proporciones han interesado sobremanera. Ha habido principios y normas que se han estudiado y atendido celosamente. Pero la cuestión es compleja, pues frente a rigurosas observancias encontramos abundantes transgresiones y advertimos que son igualmente legítimas. La superación de una teoría por apremios creativos no es menos admirable que el cumplimiento y desarrollo de dicha teoría. El arte es tan normativo como antinormativo.

Todo sistema de proporciones responde al afán de establecer medidas aritméticas y representaciones gráficas de carácter geométrico, tomando como apoyatura principal el cuerpo humano, sobre todo el masculino, y conseguir así un método que auxilie a la representación. Median también razones de índole antropológica, estética, religiosa, etc. Es natural que el hombre se haya preocupado por saber cómo es su cuerpo a la hora de representarlo artísticamente. Todos los sistemas han nacido de la observación, pero la diversidad de los cuerpos hace que las formulaciones difieran. Además, el carácter meramente auxiliar del método propicia su variedad.

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Arte del pueblo, arte popular, folclor: Hauser

“’Arte del pueblo’ significa las actividades poéticas, musicales y pictóricas de aquellos estratos de una población que no están educados ni urbanizados o industrializados. Es de la esencia de este arte que aquellos que lo mantienen vivo no son pasivamente receptivos sino normalmente participantes creativos en las actividades artísticas y sin embargo no se exhiben como individuos o reclaman alguna autoría personal de estas producciones. El ‘arte popular’, por otro lado, se debe entender como una producción artística o quasi-artística para la demanda de un público medio educado, generalmente urbano e inclinado a un comportamiento de masas. En el arte del pueblo los productores y consumidores difícilmente se distinguen y la frontera entre ellos siempre es fluida; en el caso del arte popular encontramos, por el contrario, un público artísticamente no creativo y completamente pasivo y una producción profesional de bienes artísticos que estrictamente responde a sus demandas. Es en verdad un dato que llama la atención el que el arte del folclor, especialmente la poesía, surja de las filas que lo disfruta, en tanto que las canciones populares –las baladas y los ‘hits’ en boga–, derivan de profesionales que pertenecen y dependen espiritualmente de las clases altas”

(Hauser, Arnold. Philosophy of Art History. 1958: http://www.bartleby.com/66/19/27019.html Lengua: inglés)

Vigeland y su parque de esculturas en Oslo

Himno a la vida
Texto: Mercedes Morla de Echanique

El parque Vigeland es el lugar más visitado por los turistas en la ciudad de Oslo. Sus 193 esculturas, con un total de 650 figuras humanas, constituyen un auténtico espectáculo, distribuidas a lo largo y ancho del paraje.

Gustav Vigeland (1869-1943) proviene de una antigua familia de campesinos noruegos que lo criaron en un ambiente estrictamente religioso. En el taller de carpintería de su padre demostró muy pronto su habilidad para la talla en madera y para el dibujo, pero como el deseo de llegar a ser escultor parecía inalcanzable, se sumergía en los libros de anatomía y literatura, especialmente la literatura griega, en tanto emborronaba hojas y hojas con bosquejos de esculturas.
Pasó hambre por algún tiempo en Kristianía, actual Oslo, hasta que en 1889 se atrevió a presentar sus dibujos en el taller de un escultor consagrado, quien al verlos, lo admitió como trabajador y este fue el punto de partida de su prometedora carrera.
Inspirado por Rodin y sus innovadoras esculturas, estudió en Copenhague e Italia. Al llegar a Florencia, en 1896, le atraen especialmente las esculturas de la antigüedad y del Renacimiento.

Cuando el dinero de las becas comienza a acabarse, consigue trabajo en la restauración de la catedral de Trondheim, en donde, inspirándose en la Edad Media, emplea por primera vez el motivo de dragones y reptiles en lucha con el ser humano; tema que volvería a aparecer en obras posteriores, cargándolas de fuerte contenido simbólico.
Entre 1900 y 1901 viaja con una nueva beca a Inglaterra y Francia a fin de estudiar el arte gótico y llena sus maletas de cientos de dibujos, que ratifican su condición de dibujante y que serían inspiración de futuras esculturas.
Apoyado en todo momento por el Ayuntamiento de Oslo, le fue concedido crear su propio parque de esculturas, e incluso se le cedió el palaciego edificio de Frogner en donde viviría desde 1924 hasta su muerte en 1943, convertido después en el actual Museo Vigeland, donde se puede apreciar la mayor parte de su amplia producción.

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Leonardo de Vinci/ Meditaciones Estéticas

Capítulo XII
Meditaciones estéticas

Decadencia de la pintura. - Giotto. - Masaccio

362. La pintura va declinando de edad en edad y se va perdiendo cuando los pintores no tienen por maestra más que la pintura que los precedió.

El pintor producirá una obra de escasa calidad si toma por maestra la pintura de los demás; pero si se inspira en la naturaleza dará buenos frutos.

Nosotros vemos que desde los Romanos los pintores se han ido imitando el uno al otro y así, de época en época, provocaron siempre la decadencia de ese arte.

Después, vino Giotto: ese florentino nacido en solitarias montañas, habitadas solamente por cabras y parecidos animales, y mirando la faz de la naturaleza como equivalente del arte, se puso a dibujar sobre las rocas las actitudes de las cabras que guardaba y continuó dibujando todos los animales que encontraba en la región, y esto de tal modo que, después de mucho estudio, superó no solamente a los maestros de su tiempo, sino también los de muchos siglos pasados. Después de Giotto el arte decayó porque todos imitaron las pinturas ya realizadas; y así, de siglo en siglo, continúa la decadencia hasta Tomaso, florentino apodado Massaccio, que mostró por su obra perfecta que los que toman por guía otra cosa que la naturaleza, maestra de maestros, se esfuerzan en vano. (C. A. 141, r.).

363. Si estás solo serás completamente tuyo; si estás acompañado por una sola persona, sólo serás tuyo a medias; y cuando más grande sea la indiscreción de la frecuentación, ello se tornará de más en más en mayor inconveniente. (ASH. 1. 2?, v.).

Breviario de Leonardo de Vinci
Selección,traducción,prologo y epilogo de José de España
preparado por Patricio Barros

EL ARTISTA LIBRE



Vincenzo Castaldo
(La presente nota quiere servir como reconocimiento 
y estímulo a la libertad creadora del artista plástico)

En mi reflexión sobre la libertad en lo que atañe a nosotros los artistas plásticos, lo primero que aflora en mi pensamiento es la suerte que tenemos los artistas y creadores de nuestro tiempo que, en mayor o menor grado y según cada país y su régimen político, gozamos de una relativa y a veces total libertad de expresión, en contraste con los artistas y creadores de épocas pasadas, los cuales en muchas ocasiones sufrieron hasta persecuciones y privación de libertad.Más, ahondando en dicho pensamiento, me pregunto: ¿Quién es más libre, el artista que se atreve a crear en libertad (en su propia libertad) y luego es perseguido o encarcelado, o aquel que de antemano y sin necesidad de amenazas y ni siquiera de advertencias, “autolimita” su libertad creadora?
¡Sin duda es más libre el primero!
La anterior reflexión la hago de carácter universal y sólo por ello aplicable también en Venezuela, y cuando hablo de libertad no me refiero sólo a la libertad política sino a la libertad en todo su concepto: político, religioso, económico, social, racial, sexual, moral, etc.

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El idioma de las formas y los colores

Sobre Lo espiritual en el Arte
Vassily Kandisky

Capítulo V. El idioma de las formas y los colores

El sonido musical ingresa por vía directa al espíritu. Rápidamente encuentra en él una resonancia porque el hombre contiene la música en sí mismo (Goethe).
Todos saben que el amarillo, el naranja y el rojo, suscitan ideas de felicidad y de riqueza (Delacroix) [5].
Estas dos citas demuestran la fuerte ligazón que existe entre las arte, particularmente la pintura y la música. En este lazo se funda seguramente la idea de Goethe de que la pintura debe hallar su bajo continuo. Este sintagma profético es una intuición del estado en que se encuentra la pintura actualmente. En virtud de este estado y con sus medios específicos, la pintura evolucionará hacia el arte abstracto y logrará una composición pictórica pura. Los instrumentos de los cuales dispone para ello son el color y la forma.La forma existe de manera independiente, como representación de un objeto o como delimitación abstracta pura de un espacio o una superficie. No sucede lo mismo con el color, que no puede expandirse infinitamente. El rojo infinito sólo puede ser concebido en el intelecto. Cuando oímos la palabra “rojo” no hay límites para nuestra imaginación. Sería un esfuerzo imaginarlos, si fuera necesario. El rojo no visualizado sino imaginado abstractamente nos sugiere una idea precisa y difusa a la vez, con un tono físico interno puro [6]. Es una idea difusa porque no cuenta con un matiz determinado de color rojo. Pero también es precisa porque su sonido interior está despojado de tendencias hacia el frío o el calor, que podrían ponerle vallas.

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