Archive for January, 2007

BENEDETTO CROCE : Crítica de la imitación de la naturaleza

A los cuarenta y seis años, el gran filósofo y ensayista italiano Benedetto Croce se enfrenta con el arte. Ya en su Historia orientada bajo el único concepto del arte, publicada en 1893, revelaba un espíritu audaz que rechazaba tanto el idealismo procedente de Hegel como el positivismo demasiado prosaico. En su Estética, que ha aparecido este año en Milán,1902, aborda el problema, por así decirlo, por el otro extremo: la idea de que toda creación artística es una unidad intuitiva de la forma y del contenido, pero estrechamente relacionada con la historia. El breve extracto que ofrecemos más abajo, en la medida en que muestra cómo Croce niega que el artista pueda contentarse con imitar la naturaleza, ilustra sus tesis.

La proposición de que el arte es imitación de la naturaleza tiene varios sentidos. Con estas palabras se han afirmado, o al menos esbozado, unas verdades y, al mismo tiempo, se han sostenido unos errores y, con mayor frecuencia, no se ha precisado nada. Se tiene uno de los sentidos científicamente legítimos cuando imitación se entiende como representación o intuición de la naturaleza, forma de conocimiento y cuando eso es lo que se ha querido significar poniendo de relieve por adelantado el carácter espiritual del procedimiento, esta otra proposición también adquiere legitimidad: el arte es la idealización o la imitación idealizadora de la naturaleza. Pero si por imitación de la naturaleza se entiende que el arte ofrece reproducciones mecánicas, duplicados más o menos perfectos de objetos naturales, ante los cuales se renueva ese mismo tumulto de impresiones que producen los otros objetos naturales, la proposición, evidentemente, es errónea. Las estatuas de cera pintada que simulan seres vivos y ante las cuales retrocedemos estupefactos en los museos no nos dan intuiciones estéticas. La ilusión y la alucinación no tienen nada que ver con el sereno dominio de la intuición artística. Si un artista pinta el espectáculo de un museo de estatuas de cera, si un actor representa en el escenario al burlesco hombre-estatua, tenemos de nuevo el trabajo espiritual y la intuición artística. La misma fotografía, si tiene algo de artístico, lo tiene en tanto que transmite, al menos en parte, la intuición del fotógrafo, su punto de vista, la pose y la situación que se ha afanado por elegir… y si no se trata del todo de un arte, es que el elemento natural permanece más o menos inelíminable e insubordinado: ¿ante qué fotografía, hablo de las mejor acabadas, sentimos una plena satisfacción’ ¿Existe alguna en la que un artÍsta no haria una o varias modifÍcaciones y retoques, no quitaría o añadiría nada?

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BOURDELLE REECUENTRA A BEETHOVEN

Año 1901.

Alumno favorito de Rodin, Antoine Bourdelle, que el año anterior fundó con él una escuela de escultura, se ha afirmado durante su cuarto año en una cuestión que le perseguía desde 1888: el busto de Beethoven. Persuadido de que si el arte «debe contener el corazón», también deberá «dejar temblar la mano», este melómano que profesa al compositor de la Novena Sinfonía la más grande admiración, ha intentado hacer surgir de esta cabeza atormentada, que ha labrado a golpes de nervioso pulgar, el tumulto patético de su música, embargado de una fiebre creadora exaltada.

Es un escultor apasionado, valeroso, que pretende obtener su inspiración de sus orígenes campesinos, «De niño en Montauban –cuenta- me apasionaba con el trabajo de mi padre que fabricaba sólidos muebles rústicos. Creo que tallar la madera de un arcón o de un escabel me ha enseñado el equilibrio de la construcción.»

Vincent Van Gogh/A SU HERMANO THEO

Expresar la esperanza con alguna estrella.

Arlés, 1888

Si, privado del poder de crear físicamente, un hombre prueba a crear pensamientos en lugar de hijos, es todavía una parte de la humanidad.

Y en una pintura yo quiero decir algo confortador, como es confortadora la música. Quiero pintar hombres y mujeres con este algo de lo eterno que solía simbolizar el halo y que intentamos dar con la radiación misma y la vibración de nuestros coloridos…

Ah!, el retrato, retrato con el pensamiento, con el alma del modelo en él, esto es lo que yo creo debe venir.

Arlés, 1888

Así me encuentro siempre entre dos corrientes de pensamiento: primero las dificultades materiales, dando vueltas y vueltas para ganar me la vida; y segundo, el estudio del color. Siempre estoy con la esperanza de lograr hacer un descubrimiento, expresar el amor de dos amantes por un casamiento; de dos colores com plementarios, por su mezcla y su oposición, por las misteriosas vibraciones de tonos afines. Expresar el pensamiento de una frente por la irradiación de un tono claro sobre un fondo sombrío.

Expresar la esperanza con alguna estrella, el ardor de un alma con el esplendor de un ocaso. Cierto que aquí no hay nada de realismo estereoscópico, pero ¿no es algo que existe realmente?

EL ARTE JAPONÉS
Arlés, 1888.

Estudiando el arte Japonés ves a un hombre que es indudablemente sabio, filosófico e inteligente y que pasa su tiempo, ?cómo?, ?Estudiando la distancia entre el Sol y la luna? No. ¿Estudiando la política de Bismark? No. estudia una simple brizna de hierba.

Pero esta brizna de hierba le lleva a dibujar todas las plantas y luego las estaciones, los amplios aspectos de la campiña, luego los animals, luego la figurahmana. Así pasa su vida y la vida es demaciado breve para hacerlo todo…

No se puede estudiar el arte Japonés, me parece a mí, sin volverse uno mucho más alegre y feliz; debemos volver a la naturaleza a pesar de nuestra educación y nuestro trabajo en un mundo convencional

De Donatello a Giambologna

El Museum of Fine Arts de Boston inaugura una muestra de escultura renacentista

El Museum of Fine Arts de Boston acoge la exposición “Donatello to Giambologna: Italian Renaissance Sculpture at the Museum of Fine Arts, Boston”, que permanecerá abierta hasta el 8 de Julio de 2007. En ella se muestra una colección de escultura que no ha sido exhibida hasta el momento, ya que muchas de las piezas que la integran han sido redescubiertas recientemente tras permanecer ocultas, o esperando a ser restauradas, en los fondos del museo.

La exposición presenta obras de algunos de los grandes maestros del renacimiento italiano como Luca della Robbia (Florencia?, 1399/1400 - Florencia, 1482), Mino da Fiesole (Arezzo, 1429 - Firenze 1484), Bartolomeo Bellano (Padova, 1435 - 1496/1497) o Donatello (Florencia, 1386 - 1466). Entre ellas destaca el relieve de mármol atribuido a este último, la Madonna de las nubes, que llama la atención por su delicada factura.

Boston, 24/01/07
MUSEUM OF FINE ARTS, BOSTON
465 Huntington Avenue Boston (Estados Unidos)

SONETO LVI / Por Miguel Ángel Buonarroti

Escrito hacia 1545. Para Vittoria Colonna.

¿Cómo puede ser, señora, lo que por larga
experiencia vemos, que dura más
la imagen viva en piedra alpestre y dura
que su autor, a quien los años devuelven al polvo?
La causa al efecto cede y se inclina,
por lo que el arte vence a la natura.
Bien lo sé, en hermosa escultura compruebo
que muerte y tiempo no dan fe en la obra.
Así es que a ambos puedo dar larga vida
en cualquier modo, en color o en piedra,
de uno y otro reproduciendo el rostro;
tal que mil años después de la partida,
cuán bella fuisteis vos y que mísero yo
se vea, mas que en amaros no fui tonto.

El Realismo en el Arte/Por Augusto Rodin

Conversaciones reunidas por Paul Gsell en su libro “El arte

Al final de la larga calle de la Universidad, muy cerca del Campo de Marte, en un verdadero rincón de provincia desierto y monástico, se encuentra el Depósito de Mármoles.

En un amplio patio invadido por la hierba, duermen pesados bloques grisáceos, mostrando a pedazos recientes roturas de un blanco escarchado. Son los mármoles que el Estado guarda en reserva para los escultores a los que honra con sus encargos.

En uno de los costados de ese patio se alinean una decena de talleres, que fueron concedidos a diversos estatuarios. Pequeña ciudad artística, maravillosamente tranquila.

Rodin ocupa dos de esas celdas. La una abriga su Puerta del Infierno, vaciada en yeso y muy atractiva en su estado inconcluso. Trabaja en la otra.

En más de una ocasión he ido a visitarlo a ese lugar, por las tardes, cuando él terminaba su jornada de noble labor. Tomando una silla, esperaba el momento en que la oscuridad lo obligaría a detenerse. El deseo de aprovechar los últimos rayos del sol, lo ponía febricitante.

Lo veo amasando en el barro pequeños y rápidos esbozos. Este es un juego en que se complace en los intervalos de los cuidados más pacientes que prodiga a las grandes figuras. Esos bocetos realizados de un golpe lo apasionan, porque ellos le permiten captar al vuelo bellos gestos y ademanes cuya fugitiva verdad podría escapar a un estudio más detenido, pero más moroso.

Su método de trabajo es singular. En su taller circulan a descansan modelos desnudos, hombres y mujeres.

Rodin los paga para que ellos lo provean constantemente de imágenes de desnudeces evolucionando con toda la libertad de la vida. Los contempla sin cesar, y es así como se familiariza, desde hace mucho tiempo, con los músculos en movimiento.

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El objeto y el concepto en el arte contemporàneo

por Carlos Federico Weisse

El arte conceptual se caracteriza por el empleo de medios no convencionales, su difícil comercialización y su carácter efímero. Géneros como el performance, la instalación, el videoarte y el arte en Internet han cobrado tanta validez, que hoy las escuelas de arte han abierto espacio a estas manifestaciones. Si antes lo que preocupaba al artista era el uso de los colores, ahora es el manejo del concepto.

A finales de la década de los 50 y principios de los 60 surgieron grupos gestores de nuevas ideas y soluciones, como American Pop y Brithish Pop, Les Nouveaux Réalistes, La Figuration Narrative y Fluxus que culminaron entre 1967 y 1972 en un grupo que creó el arte conceptual.

En la década de los 60 las artes plásticas dan un giro importante abandonando las poéticas de índole romántico-idealistas. A partir de este momento inciden sobre todo: la tendencia sintáctico-formal por una parte, y la semántica-pragmática por otra, donde se presta menos atención a la sintáctica de las formas. Ambas alternativas sobrepasan las fronteras institucionalizadas de los géneros artísticos heredados de la tradición, y en una tercera tendencia se cuestiona el estatuto existencial de la obra como objeto.

Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el modelo sintáctico-semántico, desde la abstracción, se da un equilibrio hasta pasar a situaciones límite donde la teoría es más importante que el objeto (arte conceptual). Tan necesario como percibir la obra concreta es actualizar los conceptos teóricos anteriores a la misma, sus presupuestos productivos y receptivos.

En el arte conceptual el “concepto” predomina sobre el objeto hasta eliminar el objeto haciendo del arte pura teoría, es “conceptual” lingüístico y tautológico en tanto “arte como idea”. El arte objetual en cambio es aquel que sólo pretende desplazar la atención desde el objeto hacia el concepto, pretendiendo que el receptor no sea tan pasivo y participe más activamente en la obra de arte.

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EL CAMINO DEL ARTISTA

de EL CAMINO DEL ARTISTA de Julia Cameron (1992) (Ed. Troquel)

No pienses en hacer “lo que deberías” hacer. Trata de hacer lo que te atrae; piensa en el misterio y no en la maestría.
Aunque hayas hecho una obra de arte realmente espantosa, puede tratarse de un eslabón necesario hacia tu próximo trabajo.
Demos lugar al artista juvenil para que intente, se equivoque y vuelva a intentar. Recordemos que en la naturaleza toda pérdida tiene un significado. Lo mismo para nosotros. Bien usado, un fracaso puede ser el abono que nutra en éxito de la siguiente estación creativa. La maduración y la cosecha son procesos a largo plazo y no una receta rápida.
La creatividad nunca ha sido sensata. ¿Por qué habría de serlo? ¿Por qué tú deberías ser sensato? 
A lo largo del tiempo, lo que un artista necesita es entusiasmo, no disciplina.
La ansiedad es un combustible: podemos usarla para escribir, para pintar, para trabajar con ella.
Como artista mi autoestima proviene de realizar mi trabajo. No necesito ser rica pero necesito mucho aliento. No puedo permitir que mi vida intelectual o emocional se estanquen, o mi trabajo sufrirá. Mi vida y mi temperamento sufrirán: si no puedo crear me pongo de mal humor.
Una cólera verdadera brota cuando sentimos que parientes o amigos bien intencionados interfieren en un nivel que impide la continuación de nuestro arte: reaccionamos como si se tratara de un asunto de vida o muerte y en verdad lo es.
El arte es una acción del alma y no del intelecto.
El proceso de creación es un proceso de entrega y no de control.

(www.rodolfoalchourron.com)

PARA PENSAR

Las obras de arte son de una infinita soledad, y por nada tan poco abordables como por la crítica. Solamente el amor puede comprenderlas y tratarlas y ser justo con ellas.

(R. M. Rilke en “Cartas a un joven poeta”)

TRATADO DE ARMONÍA

de TRATADO DE ARMONÍA de Arnold Shönberg

Lo repetiré de nuevo: las leyes naturales no conocen excepciones; las leyes artísticas se componen ante todo de excepciones.

¡Espero que mis alumnos busquen! Porque han llegado a saber que se busca sólo para buscar. Que el encontrar es, en efecto, la meta, pero que muy a menudo puede significar también el final de esa tensión fructífera. … [el alumno] debe saber que en todo lo que vive está contenido su propio cambio, desarrollo y disolución. La vida y la muerte están ya en el mismo germen. Lo que hay entre ellas es el tiempo. Así, pues, nada esencial, sino sólo una medida que se llena necesariamente. Con este ejemplo aprenderá el alumno a conocer lo único que es eterno: el cambio, y lo que es temporal: la permanencia.

Una vez curados de la locura de creer que el artista crea por razones de belleza; una vez que se ha reconocido que sólo la necesidad le obliga a producir lo que quizá designaremos luego como belleza entonces es cuando se comprende que la inteligibilidad y la claridad no son condiciones que el artista necesita para instalarlas en la obra de arte, sino condiciones que espectador espera ver satisfechas.

Y [el alumno] verá la belleza en su eterno rodeo hacia la verdad, y comprenderá que el cumplimiento es la meta del deseo, pero quizá el final de la belleza; y comprenderá que la armonía -proporción- no es la inmovilidad de unos factores inertes, sino el equilibrio de fuerzas en una tensión máxima. Y esta enseñanza debe conducir a la vida, donde se dan estas fuerzas y estas batallas. Representarse la vida en el arte con su movilidad, con sus posibilidades de cambio y sus necesidades; reconocer en la evolución y en la mutación la única ley eterna - todo esto será más fructífero que suponer un término a la evolución porque así el sistema se redondea.

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