Archive for August, 2007

Arte que se adelanta a la ciencia

Obras de pintores como Van Gogh y Jackson Pollock revelan el vínculo entre ambas disciplinas; encuentran en la UNAM coincidencias entre el pintor holandés y el científico ruso Andrei Kolmogorov .

Artistas como Vincent van Gogh y Jackson Pollock, entre otros, se adelantaron a plasmar en sus obras teorías que años más tarde la ciencia formuló. Esas creaciones hoy son objeto de estudio de la ciencia no sólo para entender el universo sino para ahondar en los vínculos de física, matemáticas y arte.

Para los científicos, la manera profunda o analítica como la ciencia percibe la naturaleza es muy similar a la forma en que lo hace el arte. Ciencia y arte -a primera vista tan diferentes- podrían apoyarse una de la otra.

¿Qué tanta información de una escena puede ser capturada por un artista en comparación con un físico o matemático? Esa interrogante es actualmente debatida por científicos de todo el mundo.

Adelantándose a las teorías, Vincent van Gogh plasmó lo que vio, sintió -y padeció- en su obra La noche estrellada. En este cuadro dibujó una visión muy detallada de los remolinos de viento en un ambiente nocturno.

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Brancusi
 1918 “La columna sin fin”

OBRAS FUNDAMENTALES DEL ARTE DEL SIGLO XX

por Friedrich TEJA BACH

La obra de Constantin Brancusi (Hobita, Rumania, 1876 - París, 1957) constituye una referencia absolutamente esencial en la evolución de la escultura contemporánea, por la máxima estilización a la que sometió a las formas naturales. Desde 1894 asiste intermitentemente a escuelas de Bellas Artes en Craiova, Bucarest, Viena, Múnich y París, compatibilizando sus estudios con su trabajo como carpintero. En 1907 trabaja brevemente en el estudio de Rodin en Meudon. A partir de entonces desarrolla su propio estilo, en el que recoge las tradiciones rumanas, el primitivismo, la experiencia cubista y una tendencia hacia la abstracción. En Estados Unidos tuvieron lugar sus primeros éxitos profesionales. En 1937 realizó esculturas para el parque público de Tárgu Jiu (Rumania). A su muerte, legó al gobierno francés todo el contenido de su estudio, que se ha reconstruido en el Centro Georges Pompidou.
La Columna sin fin de Brancusi es el resultado de una evolución paulatina. El rombo escultórico surgió en su taller como motivo aislado y ocasional, luego, duplicado o triplicado, como pedestal para otras esculturas. Sólo con la Columna sin fin de 1918 se convirtió la sucesión de rombos en obra de arte en sí misma. La radicalidad de esta obra ha llevado una y otra vez a los historiadores del arte a intentar explicar su novedad mediante posibles influencias. Pero este método no contempla la auténtica génesis de la forma ni de las decisiones artísticas: el descubrimiento del carácter artístico de la forma zigzagueante de los romboides, la renuncia al pedestal inicialmente previsto, que la elevaría del suelo, la asimilación de la forma elemental y de las proporciones de la obra. Brancusi no “tomó” la Columna sin fin de la tradición popular rumana o del arte africano, sino que la desarrolló en sucesivas etapas.

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 1918 “La columna sin fin”’

Para pensar

” El arte no sólo implica el triunfo del creador
sobre la resistencia del material. Abre todas las puertas de la invención;
abarca mundos posibles e imposibles. Nos hace ser más humanos y universales,
da sentido a la historia y a la vida. “

Un efimero soplo de libertad/Honoré Daumier

Un efimero soplo de libertad

Honoré Daumier

El primer vistazo sobre los aspectos dominantes de la escultura en la mitad del siglo pasado no revela ningún signo precursor de una nueva orientación en las técnicas de la creación plástica. Podrá parecer sorprendente que el primero en escapar no sea un escultor, propiamente hablando, sino un dibujante y un pintor que, de una manera accidental. hizo cierto número de esculturas: Honoré Daumier (1808-1879). Como veremos más adelante, son los pintores el origen de este gran cambio que conduciría a la escultura a una completa renovación de sus fórmulas.

Es principalmente, a su lápiz de dibujante, a su trabajo de litógrafo y a su larga colaboración en los periódicos ilustrados que Daumier debe su celebridad. Muy tardíamente debía reconocerse que su personalidad sobrepasaba en mucho la de un ilustrador satirico y solamente hoy podemos rendir justicia a la lucidez de Baudelaire que veía en él «uno de los hombres más importantes, no solamente en la caricatura, sino en el arte moderno». Hasta mucho después de su muerte, no se reconoció en él a un gran dibujante y a un gran pintor.

Daumier era hijo de un vidriero de Marsella que se creía quizá un poco artista, puesto que ponía marcos y se dedicó un día a hacer poesías.

Venido a París con su padre en 1816, se ganó la vida desde la edad de doce años como muchacho de recados, en casa de un bedel, y después como empleado en una librería de Palais Royal. Aprende dibujo en 1822, fue alumno de Alexander Lenoir, trabajó como litógrafo y siguió los cursos de la Academia Suiza.

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Soneto LX / Por Miguel Ángel Buonarroti

Escrito a finales de 1545 o comienzos de 1546.
El soneto está dirigido a Luigi del Riccio, florentino, y uno de los grandes amigos de Miguel Ángel en Roma.
Es un correctivo, una queja al amigo, cuyo fundamento no está claro. Del Riccio estaba empeñado –con el consentimiento del escultor- en editar una antología de su labor poética, que al fin no llegó a hacerse. Según algunos, el poema aludiría a una edición de los versos, realizada por Riccio sin el consentimiento de Miguel Ángel. Pero no hay pruebas.
Luigi del Riccio había atendido personalmente al escultor en dos de sus enfermedades, a comienzos de 1544 y de 1546. A ello puede aludir la inmensa cortesía del primer verso.
Según Clements, los mil placeres del último endecasilabo aludirían a la relación de Miguel Ángel con Cecchino Bracci, y al tormento, a su fatigosa labor en los epitafios del muchachito.

Soneto LX


En lo dulce de una inmensa cortesía,
al honor, a la vida alguna ofensa
se esconde a menudo y cela, y tanto pesa
que me hace mi salud menos querida.
Quien en el hombre amigo pone alas y luego
en el camino dispone la oculta red tejida,
la ardiente caridad que amor enciende
anula más cuando más arder debía.
Por eso, Luigi mío, mantened clara
la gracia primera, que me dio la vida,
y que no la turbe tempestad ni viento.
A vencer enseña el desdén toda merced,
y aunque yo al buen amigo siempre atienda,
mil placeres no valen un tormento.

LA IN-CORPORACIÓN DEL SER EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

por Rosa Naharro Diestro

Cuerpos visibles, invisibles, expandidos, mutilados, obscenos, aludidos y hasta diseñados a la carta por ordenador, pero siempre cuerpos, y nada más que cuerpos. En ningún otro periodo de la Historia, ni del Arte, el cuerpo humano ha sido tan expuesto y sobre-expuesto de una forma tan brutal como en la contemporaneidad. Asistimos perplejos, pero resignados, ante la afirmación de que ya no es que tengamos un cuerpo, sino que somos un cuerpo. Y este giro del tenemos al somos es la clave fundamental para entender el cambio metafísico que se ha producido en nuestra era Postmoderna, y en nuestra forma de percibirnos a nosotros mismos y a los demás. El cuerpo ya no es tan sólo el sitio donde alojar la mente, sino que pensamos con nuestro cuerpo, y es a través de éste como afirmamos nuestra presencia en el mundo y ante los demás (cuerpos).
Despojados de nuestra condición espiritual, de un alma, karma o cualquier otra entidad metafísica, somos más humanos que nunca, es decir, estamos más mundanizados. Sin embargo, se produce una paradoja, pues mientras el cuerpo, fragmentado, se proyecta una y otra vez en miles de pantallas de televisión y está más presente que nunca, también asistimos a la progresiva descorporalización del mismo, pues cada vez somos más virtuales e incorpóreos, debido a la rápida asimilación de las nuevas tecnologías en la vida cotidiana. Nuestros cuerpos, paralizados frente al ordenador, se expanden en una realidad virtual, que cada vez se torna más verdadera, haciendo más patente el hecho de nuestras limitaciones físicas.

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¿Es el arte un asunto de élites?

por Miguel Santa Olalla Tovar

Quien más quien menos tiene cierta relación con el arte: o bien nos 
gusta leer, o disfrutamos con cuadros o esculturas, acudimos al teatro o 
al cine, o escuchamos algún tipo de música. Lo cierto es que nuestra 
vida está en permanente contacto con objetos que se nos presentan como 
artísticos, objetos hechos arte, “artefactos”. Sin embargo, esta 
“cotidianidad” del arte, su cercanía y compañía, se ve acompañada de un 
fenómeno peculiar: la distancias y el alejamiento progresivo de lo que 
es considerado “Arte”, así, con mayúsculas, en el sentido más genuino de 
esta palabra. Basta visitar exposiciones de arte contemporáneo o tomar 
contacto con cualquier objeto de vanguardia para tomar conciencia de 
esta distancia. El abismo entre el arte “de consumo” o arte “de masas” 
(quizás el que mayor presencia tenga en la sociedad civil) y lo que se 
denomina “arte” (sin necesidad de añadir ningún calificativo) se va 
haciendo más grande cada vez, y puede que merezca la pena prestarle un 
poco de atención.

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Albert Camus

“Si el mundo fuera claro, el arte no existiría.”

Albert Camus

En la prensa

Con el titulo: Envigado inmortaliza al libertador con escultura, abre el periódico el Mundo la noticia sobre la inauguración de la escultura.

Para ver la nota viste el sitio web del Periodico

De nuevo con ustedes

después de un largo receso vuelvo con ustedes !!!

Palabras leídas por mí el Día Sábado de la semana anterior , en la Inauguración de mi grupo escultórico ” Bolivar y La Libertad” colocado en el Parque Principal de la Ciudad de Envigado, Antioquia-Colombia.
Buenos días señoras y señores ¡!!!

Como creador y ejecutor de este grupo escultórico deseo participarles mi alegría del deber cumplido primero que todo al señor Alcalde Héctor Londoño Restrepo, a su grupo de colaboradores, al Centro de Historia de Envigado y por supuesto al Doctor Jorge Iván González alma y nervio de una escultura a Simón Bolivar desde hace más de 20 años.

Hoy vemos cristalizados todos esos sueños e ideales en mi escultura.

Es un grupo escultórico que tiene en todos sus elementos que lo constituyen connotaciones muy claras de pertenencia Envigadeña.

Es una obra de arte tridimensional que nos obliga a recorrerla en todos los sentidos y nos hace participe de todos sus elementos constitutivos , como :

El Libertador, Don Simón Bolivar y Palacios. Se trata de un Bolivar pacifista, amable, humano, cercano y amigo de todos, un ciudadano más, que lleva en sus manos el pergamino de la constitución expedida en Envigado en 1815.

Una mujer, en período de gestación, que ofrece una corona de laurel al Padre de la Patria y que representa a la comunidad de Envigado. Está en estado de gravidez mostrando la fecundidad de nuestra raza y cubierta por una túnica que en la parte posterior ondea como la bandera de Envigado.

Un Esclavo semidesnudo con las cadenas rotas, simbolizando los derechos a la igualdad y a la libertad que defendieron con ahínco nuestros próceres José Félix de Restrepo y José Manuel Restrepo Vélez. El esclavo a más de agradecer con su mirada a quien le hace libre, le ofrece las cadenas rotas como símbolo de su fidelidad.

Los tres están unidos en un abrazo de armonía y cordialidad. Envigado y el esclavo miran al Libertador agradecidos y éste les retribuye ese saludo acogiéndolos con fraternidad.

Todos ellos soportados por unos elementos geométricos rectángulares que recuerdan puntas de vigas y no olvidemos que el nombre de En-vigado viene de ellas.

Para terminar esta breve introducción a mi escultura hago participe a ustedes de mi pensamiento escultórico.

FILOSOFÍA

La Escultura, para mí …es el arte de ennoblecer las cosas sencillas y cotidianas, es el arte de la sinceridad y la veracidad, es el arte donde todo es posible por la magia de los sueños, es el arte de participación, de comunidad, de gozo, de alegría y compañerismo.

Las formas Escultóricas de por sí viven y sueñan, gozan y sienten, siempre y cuando el Escultor viva, goce y sienta lo elemental, sencillo y valedero de un trabajo ennoblecedor y capte la esencia del medio, del paisaje que a diario nos brinda la naturaleza, que razone y discierne, y eleve con su ejemplo lo elemental del percibir humano.

El Escultor no debe pretender encontrar lo nuevo, debe hallar su propia identidad, que está ahí en sus obras que son su presencia concreta .

El Escultor debe amar su trabajo como ama la vida, debe compartir como comparte en sociedad, debe soñar como añoran los seres queridos aquellas cosas amadas, debe nutrirse de las cosas queridas que tiene la vida.

Las Obras Escultóricas son vivencias, son hechos concretos, son reales, son formas, son vida, no son ni muerte ni destrucción del ser.

Los Materiales son agentes que permiten al Escultor la realización concreta de todos sus sueños y paisajes en su momento.

Los Temas son la identificación personal, son la respuesta a los interrogantes íntimos en su existir.

La Escultura es detener el tiempo, es recordar el pasado, es vivir el presente, es proyectar el futuro

La escultura es mi vida, realidad y amor.

Gracias…
Miguel Ángel Betancur Tamayo
Escultor
Agosto 11 de 2007.