Busca tu alma, mírala bien,tócala, cultívala.
Arthur Rimbaud
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Archive for September, 2007
OSSIP ZADKINE
EL Clima poético
En mis propias investigaciones y descubrimientos he insistido siempre sobre los valores plásticos y esculturales, así como en lo que yo llamó un clima poético. El objeto, tanto si es un libro como una botella o un cuerpo humano, una vez hecho visible y expresado por medio de arcilla, piedra o Madera, deja de ser un documento y se convierte en un objeto animado de piedra, Madera o bronce, que vive su vida independiente de objeto de Madera, bronce o granito. A estos animados, independientes, se les hace vibrar por medio de su simbolismo plástico y poético.
Comunicado de prensa
MAP presenta La era de Rodin
Apertura:
Sábado, 8 de septiembre – 5:30 pm
Fecha:
9 de septiembre – 28 de octubre, 2007
Horario:
Lunes a domingo – 10:00 am – 5:00 pm
Lugar:
Museo de Arte de Ponce
2325 Avenida Las Américas
Ponce, Puerto Rico 00717-0776
(787) 848.0505 / 787.840.1510
Sitio Web: www.museoarteponce.org
E-mail: map@museoarte.org
Map presenta la era de Rodin
El Museo de Arte de Ponce (MAP) sentará una vez más la pauta en la escena del arte internacional al presentar, en colaboración con el Museo Soumaya de México, La era de Rodin: Escultura en Francia del Romanticismo al Modernismo. A partir del 9 de septiembre, las salas Lincoln, Pou y Francesa del MAP albergarán 74 obras en bronce, mármol, yeso, terracota y porcelana que mostrarán la visión del afamado escultor francés, Auguste Rodin (París 1796 - Meudon 1840).
El principal oficial ejecutivo y director del MAP, doctor Agustín Arteaga, explicó que La era de Rodin es una exhibición sin precedentes en Puerto Rico, que “revela, además, el entorno creativo del artista mediante una selección de obras de trece de sus contemporáneos”.
Entre los artistas cuyas obras acompañarán las de Rodin, se encuentran su alumna y ayudante, Camille Claudel (1864 - 1943); Emile – Antoine Bourdelle (1861 – 1929); Jean Baptiste – Carpeaux (1827 – 1875); y Albert - Ernest Carrier-Belleuse (1824 - 1887). También se exhibirán obras de Louis - Ernest Barrias (1841 – 1905); Charles Cordier (1827 – 1905); Jean Alexandre – Falguière (1831 – 1900); Jean Lèon Gerôme (1824 – 1904); Henri Peinte (1845 – 1912); James Pradier (1790 – 1852); Hiram Powers (1805 – 1873); Príncipe Paolo Troubetzkoy (1866 – 1938); y Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
“Estamos muy orgullosos de estrechar vínculos con el Museo Soumaya de México, custodios de la colección más grande de Rodin fuera de Francia, para concretar esta importante muestra, que trae por primera vez a Puerto Rico muchas obras emblemáticas del Romanticismo y Modernismo francés. Destacamos, igualmente, el apoyo del Museo de Arte de Filadelfia, el cual prestó varias de las obras de Rodin pertenecientes a su colección”, añadió Arteaga, quien resaltó los méritos de la labor curatorial de La era Rodin, realizada por el director del Museo Soumaya, Alfonso Miranda; la curadora en jefe y el curador asociado del MAP, Cheryl Hartup y Richard Aste; respectivamente. Cabe destacar, además, que Arteaga fungió como diseñador de montaje de la exhibición.
El MAP es el primer lugar en que La era de Rodin se presentará durante su gira por América Latina, ya que posteriormente será expuesta en el Museo de Arte de Moderno de Bogotá (MAMBO)
. La era de Rodin culminará su recorrido en una de las salas del nuevo edificio de exhibiciones del Museo Soumaya, que será inaugurado en el 2009. La relación del MAP con la obra de Rodin comenzó en 1962, cuando Don Luis A. Ferré, fundador del museo, adquirió la obra Apolo aplastando la serpiente pitón (Siglo XIX). En 1965, y con el objetivo de reforzar la colección de escultura de la institución, Don Luis añadió la obra Retrato de Claude Lorrain (Siglo XIX).
La era de Rodin es una exhibición organizada por el Museo Soumaya, Ciudad de México, México, y el Museo de Arte de Ponce, Fundación Luis A Ferré Inc., Ponce, Puerto Rico. Permanecerá abierta al público hasta el 28 de octubre. Para visitas guiadas y actividades relacionadas a la exhibición, llame al 787.812.4907 / 4908/4909 ó 787.840.0505 / 1510.
Escrito hacia 1546. Los primeros editores lo pensaban dirigido a Vittoria Colonna. Girardi –con la evidencia del primer terceto– lo supone para Cavalieri.
LXII
No es siempre culpa áspera y mortal
por una inmensa belleza el fiero ardor,
si tras sí deja enternecido al corazón,
y en breve un dardo divino 10 atraviesa.
Amor desvela y presta plumas a las alas,
y manda volar alto al furor vano;
como primer peldaño que hacia su creador,
aún no saciada, el alma asciende presta.
El amor de que hablo a lo alto aspira;
la mujer le es demasiado ajena; y mal conviene
en ella arder ánimo viril y sabio.
Uno cielo y el otro busca tierra;
en el alma uno, el otro habita los sentidos,
y el arco apunta cosas viles y plebeyas.
El II Fórum de las Culturas hace de Monterrey la ciudad del conocimiento
FRANCESC RELEA - Monterrey - 21/09/2007
Monterrey, capital del Estado de Nuevo León y uno de los motores industriales de México, será durante los próximos 80 días la ciudad del conocimiento. Ésta es la voluntad de autoridades y organizadores del Fórum Universal de las Culturas 2007, inaugurado ayer y que es la continuación del celebrado en Barcelona en 2004. La diversidad cultural, el desarrollo sostenible, el conocimiento y la paz serán los cuatro ejes centrales de los más de mil eventos programados en el Parque Fundidora, un recinto de 114 hectáreas que albergó la primera compañía siderúrgica de América Latina. El ministro de Industria, Joan Clos, estuvo en el acto oficial de apertura en su calidad de ex alcalde de Barcelona, junto al presidente mexicano, Felipe Calderón, el director general de la Unesco, Koïchiro Matsuura, y el secretario general de la Organización de Estados Americanos (OEA), José Miguel Insulza.
El Alto Horno número 3, el mayor vestigio de la industria mexicana del acero, es el escenario del espectáculo emblemático que se representará diariamente en el Fórum para evocar la contribución industrial de esta región y reflexionar sobre el hombre y el progreso. El 90% de las actividades del Fórum se desarrollarán en espacios del Parque Fundidora, que tratan de acercar dos mundos tan dispares como la industria y la cultura.
La exposición Isis y la Serpiente Emplumada es uno de los platos fuertes del Fórum. Es la primera vez que se reúnen, a través de sus deidades, las civilizaciones de Egipto y México: Isis, símbolo de la fertilidad y el conocimiento, y Quetzalcóatl, representante de la bondad y la sabiduría. Gracias al apoyo del Consejo Supremo de las Antigüedades de Egipto, 150 piezas de distintos museos han salido por primera vez de su lugar de origen para viajar a Monterrey. Otras 200 piezas procedentes de los museos de México completan la exposición. Otra exposición, América Migración, muestra los distintos tipos de migraciones que contribuyeron a conformar el continente americano.
En elPais.com
Autor: Guillaume Apollinaire
II
…
Los jóvenes pintores de las escuelas extremadas tienen como fin secreto hacer pintura pura. Es un arte plástico enteramente nuevo. Sólo está en sus comienzos y todavía no es tan abstracto como quisiera. La mayoría de los pintores nuevos están haciendo matemáticas sin saberlo o sin saberlas pero no han abandonado todavía a la naturaleza, a la que interrogan para aprender de ella el camino de la vida.…
IIISe ha reprochado enérgicamente a los pintores nuevos sus preocupaciones geométricas. Sin embargo, las figuras geométricas son lo esencial del dibujo. La geometría, ciencia que tiene por objeto la extensión, su medida y sus relaciones, ha sido siempre la regla misma de la pintura. Hasta ahora, las tres dimensiones de la geometría euclideana bastaban a las inquietudes que nacían del sentimiento de infinito en el alma de los grandes artistas.
Los pintores nuevos no se han planteado ser geómetras, como tampoco lo hicieron sus ancestros. Pero puede decirse que la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al arte del escritor. Así pues, hoy, los sabios ya no se limitan a las tres dimensiones de la geometría euclideana. Los pintores se han visto conducidos, natural y, por así decirlo, intuitivamente, a preocuparse por las nuevas medidas posibles de la extensión que en el lenguaje de los mundillos modernos se designaban global y brevemente por el término de cuarta dimensión.
Tal y como se presenta en la mente, desde el punto de vista plástico, la cuarta dimensión estaría engendrada por las tres mediadas conocidas: configura la inmensidad del espacio eternizándose en todas las direcciones en un momento determinado. Es el espacio mismo, la dimensión del infinito; es la que dota a los objetos de plasticidad.
…
Fuente: Texto: La balsa de la Medusa, Visor, 1994
La Escultura
Según Henry Moore
La figura humana es la base de toda mi escultura, y esto para mí signifíca el desnudo femenino. En mi obra tiene que haber por lo menos una proporción de cincuenta mujeres por cada hombre. Incluyo los hombres cuando son imprescindibles para el tema, por ejemplo en un “Grupo familiar”. Me gustan las mujeres y encuentro que para mi la figura femenina es más importante que la masculina. La figura de la mujer reclinada es un tema que se repite constantemente en mi obra.
La escultura, para mi, debe tener vitalidad. Debe saber apreciar la forma orgánica, cierto patetismo y cierta calidez. La escultura puramente abstracta para mi es una actividad que se puede realizar mejor en otras artes, como por ejemplo en arquitectura. Por esto nunca me ha seducido quedarme en escultor puramente abstracto. Demasiado a menudo las esculturas abstractas no son más que maquetas de monumentos que nunca se llevan a cabo, y las obras de muchos escultores abstractos o “constructivistas” adolecen de esta frustración, en el sentido de que el artista nunca llega a encontrar la verdadera solución material a sus problemas. Pero la escultura es distinta de la arquitectura. Crea organismos que deben ser completos en si mismos. Un arquitecto tiene que ocuparse de consideraciones prácticas, como la comodidad, los costos, etc., a las que un artista permanece ajeno, problemas muy reales que son distintos de los que tiene que afrontar un escultor… Una escultura debe tener vida propia. Más que dar la impresión de que es un objeto más pequeño esculpido de un bloque más grande, al observador debería darle la sensación de que lo que está viendo contiene en su interior su propia energía orgánica que pugna por salir: si una obra escultórica tiene su vida y forma propias, tendrá vida y se expandirá y parecerá más grande que la piedra o la madera de la que ha sido tallada. Tiene que dar siempre la impresión, tanto si está tallada como si está modelada, de haber surgido orgánica mente, creada por la presión interior.
Manuel Toledo
BBC Mundo
En la galería londinense White Cube se inauguró este fin de semana una exposición de la artista colombiana Doris Salcedo, considerada como una de las figuras más importantes de la escultura contemporánea a nivel mundial.
“ El arte tiene un poder enorme: tiene el poder de devolver al dominio de la vida, al dominio de la humanidad, la vida que ha sido profanada “
Doris Salcedo, conferencia en la Universidad de Harvard
La primera impresión de quien llegue directamente al espacio expositivo, luego de navegar entre los cientos de jóvenes que por las tardes beben cerveza en la plaza frente a la galería, podría ser que se trata de una muestra de muebles de segunda mano y de zapatos viejos.
En las paredes no hay información sobre las obras. En el primer piso hay armarios, aparadores, algo que parece ser un asiento, el resto de una cama.
Cuando uno los mira con más detenimiento, comienza a darse cuenta de que algunos tienen incrustados trozos de tela, marcas de flores, diferentes texturas.
¿De quién habrá sido este armario? ¿Qué tiene o habrá tenido dentro? ¿A quién habrá pertenecido esta camisa de la que sólo queda una manga?
Exposiciones
Salcedo vive y trabaja en Bogotá, ciudad donde nació en 1958.
En la última década su obra se ha expuesto en espacios como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la galería Tate de Londres, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la XXIV Bienal de Sao Paulo, Documenta 11 y la VIII Bienal Internacional de Estambul.
No es la primera vez que se presenta en White Cube: ya lo hizo en 1995, con “La Casa Viuda VI”, y en 2004, con la instalación “Neither”.
Pero la muestra de este año tiene otro motivo especial porque se ha organizado como complemento a una nueva instalación que le encargó la galería Tate Modern y que se inaugurará el 9 de octubre.
por Carlos Yusti
”Me siento avergonzado de muchas obras de arte actual”
E. Gombrich
En el complejo mundo del arte actual (postmoderno y neoliberal para darle una etiqueta para aquellos preocupados por clasificaciones sumarias y síntesis rotundas) el mercado artístico, el cual engrana en su enrevesada relojería a Museos, galerías privadas, bienales, casas de subasta y cualquier empresario japonés con veleidades de mecenas tardío, ha creado eso del “Artista profesional”. Aunque el concepto se fue cocinando mucho antes con la creación de la Historia del Arte, y perpetrado por reputados profesores universitarios(alemanes, ingleses y franceses) adquiere su perfil decimonónico durante el siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX.
Los grandes artistas clásicos, archivados por la historiografía del Arte, no eran profesionales de arte, en el sentido subrayado el término, y aunque vivían de su arte para sus contratadores y mecenas como príncipes, reyes y prelados eran artesanos, muy dotados, pero en la misma escala de los pajes, sirvientes y cocineros.
Con la modernidad los artistas trataron de no sólo de sobrevivir a través de su trabajo artístico, sino de labrarse una reputación artística tan importante como cualquier otra. Para ello primero trató de romper con los viejos arquetipos de la pintura y la escultura
clásica: perspectiva y formas que buscaban la perfección y la belleza. Luego cuestionó los parámetros inamovibles de la belleza como herencia griega y por último se asomó a la ventana y miró más allá de su estudio y comprendió que aparte de artista sería un cuestionador consumado de la sociedad con sus falaces dogmas y sus desmagializadas normativas. Entonces el artista también asume la vanguardia como ideario estético y político. Ser vanguardista era ir al ritmo de lo nuevo, de todo aquello que abría fisuras en la dura corteza de las conciencias cortesanas del momento.
Continue reading ‘INSTRUCCIONES PARA CONVERTIRSE EN UN ARTISTA POSTMODERNO’
Conversaciones con Judith Cladel
La Escultura Africana
Pero debemos ser modernos, debemos adaptarnos a nuestro propio tiempo. Gauguin cometió un error al imitar la escultura negra. Debería haber hecho sus esculturas de la misma manera que sus pinturas, dibujando del natural; en lugar de ello, hizo mujeres con cabezas enormes y piernas cortas. Tuvo dos ideas distintas, una en pintura y otra en escultura; luego, tenía dos naturalezas. Al principio de mi carrera se decía que estaba influído por sus relieves en madera. Es una leyenda. Hice uso de su estilo, pero solo en pintura.
EL arte negro contiene más ideas que el arte griego. Su extraña inventiva de formas es asombrosa, y su imaginación y extraordinario sentido de la decoración son difíciles de explicar. Nosotros no osamos tomarnos tales libertades; pero los negros lo han logrado. Estamos demasiado sujetos a nuestro propio pasado… Los que hacen arte negro en este país se equivocan . Estamos en Francia, en el país de Ronsard, la Fontaine y Racine. ? Qué conexión hay entre este país y estos hombres, y la escultura negra ? Un artista solo puede crear en armonía con el carácter de su pueblo y de su época… pero es difícil explicar estas cosas.
Cuando Picasso hace pintura pura es un gran artista. Cuando pinta como cubista, poniendo un tono junto al otro, la dis[osición de los planos es bella y el resultado muy vigoroso. Pero los que lo imitan no logran nada que valga la pena.
