Todo el mundo tiene talento a los 25. Lo difícil es tenerlo a los 50.
Nada en el arte debería parecer accidental, ni siquiera el movimiento.
Una pintura requiere misterio, algunas vaguedades, algo de fantasía. Cuando siempre planeas perfectamente lo que quieres decir, terminas aburriendo a la gente.
El Arte no es lo que ves, es lo que haces ver a los demás.
Ningún Arte es menos espontáneo que el mío. Lo que yo hago es el resultado de la reflexión y el estudio de los grandes maestros.
El pintor sólo hace cosas buenas cuando deja de saber qué es lo que está haciendo
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Archive for February, 2008
Susana Weingast
Para realizar una pintura o un dibujo es necesario que el autor posea capacidad de selección y también de organización, para así poder transmitir las ideas básicas de su preferencia.
Cuando pensamos, evocamos imágenes. Esas imágenes, a veces agradables a veces no, quedan fijas en el pensamiento, en el cerebro, en el recuerdo, aunque la percepción se da a través del el ojo, órgano del sentido de la visión, de manera tal, que al captar algún rasgo esencial por ej: un ala, hace imaginar un ave. Es así, que podemos visualizar y reconocer el objeto en un todo, así sea por un mínimo dato, lo evaluamos de acuerdo a la memoria sensorial, la cual almacena todos los conocimientos.
No se puede pintar o dibujar un pensamiento abstracto, como la paz, el torbellino, la tristeza, porque el individuo, al seleccionar el símbolo de la paz o del torbellino, no lo puede identificar con un objeto concreto.
“El secreto de la genialidad es el de conservar el espíritu del niño hasta la vejez, lo cual quiere decir nunca perder el entusiasmo. Existe al menos un rincón del universo que con toda seguridad puedes mejorar, y eres tú mismo”.
Crear como un dios, gobernar como un rey, trabajar como un esclavo.
Lo que es real no es la forma externa, sino la esencia de las cosas… es imposible para cualquiera expresar cualquier cosa que sea real en esencia imitando su apariencia exterior.
Ver de lejos algo es una cosa, llegar hasta donde está es otra.
No busques oscuras fórmulas o misterios en mi obra. Lo que te ofrezco es diversión pura. Mira a mis esculturas hasta que las veas. Los que están más cercanos a Dios las han visto.
arte y oficios: curaduría y gestión cultural
(en XXXIII tesis)
I. La curaduría escribe ensayos, no prólogos / Los gestores culturales se ejercitan en todo tipo de géneros publicitarios, según el formato de la demanda.
II. La exposición de arte sólo incidentalmente es pedagógica / Hay exposiciones pedagógicas.
III. La curaduría no explica lo que las obras ya hacen evidente / Los gestores culturales se dedican a la estéril labor de convencer.
IV. La curaduría es crítica / Los gestores culturales son el servicio diplomático del arte.
V. En la exposición de arte aprende su oficio la curaduría / Los gestores culturales se instruyen con tablas de cifras.
VI. La curaduría no separa qué dice de cómo lo dice / Los gestores culturales discriminan “contenido” y “presupuesto” bajo rubros diferentes en una hoja de cálculo.
VII. En la exposición de arte la forma es la pregunta esencial / Hay exposiciones en que la forma se confunde con materia: a gran espacio más materia, a poco espacio… más materia, relleno.
VIII. La curaduría es un parásito que vive de citar: ordena, crea, ofrece nuevas constelaciones de subjetividades / Los gestores culturales son el celador como dueño del edificio.
IX. La curaduría trabaja sus textos con la misma minuciosidad de un relojero / Los gestores culturales escriben con la misma laboriosidad del policía de tránsito que llena las casillas de un tiquete de multa.
X. La curaduría no lee, relee / Los gestores culturales coleccionan titulares de prensa.
El concepto del ser creador o genio se define y se asienta como hoy lo conocemos en la edad contemporánea. También es la época en la que es más notoria la hibridación de las artes, es significativo apreciar como hasta bien entrado el siglo XV, durante el Renacimiento italiano no se realiza la distinción entre artesano y artista. Esta clasificación se realiza con el fin de separar al creador de obras múltiples del creador de obras originales. La distinción entre las artes liberales o las bellas artes toma como punto de partida la clasificación formada en la antigua Grecia.
Para Ernst Gombrich “El arte, en realidad no existe. Únicamente hay artistas”. Esta afirmación es hoy cuanto menos discutible como trataré de exponer en las siguientes líneas. La práctica artística si bien carece de una utilidad premeditada exceptuando los casos en los que el arte ha sido usado como propaganda, se relaciona con el concepto de belleza. Las relaciones entre disciplinas artísticas son frecuentes, es usual hablar de la relación entre la música y la pintura, así como escuchar hablar a pintores de las referencias literarias que han usado para la creación de sus obras.
Continue reading ‘El arte, la insoportable levedad de la imagen’
Escrito en 1547. Habla al Amor, a causa de la muerte de Vittoria Colonna.
El penúltimo endecasílabo debe entenderse: Los dardos del amor divino sirven de escudo a los dardos del Amor profano.
Soneto LXV
Vuélveme al tiempo, en que floja y suelta
al ciego ardor me estaba brida y freno;
tráeme al rostro angélico y sereno
que toda virtud consigo ha sepultado,
los continuos pasos y la fatiga mucha,
tan lentos a quien de años está lleno;
devuélveme fuego y agua dentro el seno,
si de mí una vez más saciarte buscas.
Y si es verdad, Amor, que sólo vives
de los agridulces llantos de mortales,
de un viejo cansado gozarás muy poco;
que el alma, caasi ya en la otra ribera,
te hace escudo con más piadosos dardos:
y en leño ardido el fuego poco prueba.
La sensación de movimiento en la Pintura y la Escultura, ha sido considerada como uno de los elementos básicos de la composición.
Desde el comienzo de mi obra abstracta, incluso cuando aún no lo parecía, siempre sentí desde el principio que no podía elegir un modelo mejor que el mismo Universo.
Cuando un artista explica lo que está haciendo, normalmente tiene que hacer una de estas dos cosas: o bien desechar lo que ha explicado anteriormente, o hacer que su trabajo, de entonces en adelante, se adapte a la explicación que ha dado.
El conocimiento y familiaridad con las calidades de los materiales que se usan, es especial para darles un tratamiento apropiado.
Cada elemento puede moverse, cambiar, sacudirse o entrar en una relación cambiante con cada uno de los demás elementos del universo. Así, las obras revelan, no solo momentos aislados, sino leyes físicas o variaciones de los elementos de la vida. No extracciones, sino abstracciones. La abstracción no tiene que asemejarse a los elementos vivos, excepto en su manera de reaccionar.
El sentido de forma que subyace en mi obra es el mismo sistema del Universo, o, al menos, una parte del mismo.
La escultura tuvo un especial protagonismo en la vida artística del siglo XIX por motivos prácticos tanto como estéticos. Los escultores neoclásicos pudieron copiar con mayor fidelidad que los pintores los modelos antiguos, porque la mayoría de los originales (o copias romanas de los originales griegos) sobrevivieron gracias a la naturaleza inalterable de la piedra (en bronce se conservaron muy pocas piezas).En lo estético, la recuperación de antiguas formas griegas para expresar ideas contemporáneas procedía de la creencia, generalizada en el siglo XVIII, de que en las obras de la Antigüedad residían los más altos valores de excelencia y virtud. Se creía que los griegos habían tomado el arte de los asirios y egipcios en una forma primitiva y carente de finalidad, y que le habían infundido sentido y alma, creando así la suprema realización escultórica del hombre. “Lo dotaron de heroísmo, majestad y belleza”, escribió un crítico contemporáneo.
Continue reading ‘La Escultura Neoclasica a comienzos del siglo XIX’
El gusto por lo feo ha conquistado el gusto popular, y para muchos espectadores, es dificil asimilar el por qué de esta tendencia.
Bacon y Picasso son dos de los artistas que dinamitaron en el siglo XX los cánones estéticos y nos hicieron comprender que los conceptos de belleza y fealdad son conceptos ambiguos y que dependen de la cultura, la época y la sociedad en que se dan. Estos artistas, entre otros muchos, han facilitado el pasaporte para que este los jóvenes artistas sean hoy embajadores de la democratización de la fealdad.
Desde finales del siglo XX estamos asistiendo a una popularización de lo feo y el feísmo el libro de Umberto Eco Historia de la fealdad (Lumen), la celebración de los 30 años del punk y los 10 de la exposición “Sensation” que hizo añicos las convenciones estéticas a las que nuestra sociedad estaba acostumbrada, nos hacen comprender que lo feo no es el lado oscuro de lo bello, ni una carencia de ello.
Las razones por las que la fealdad es aceptada hoy pueden ser varias: agotamiento del canon clásico; búsquedas de nuevos horizontes a través de la transgresión, la y la provocación; crisis de valores; desarrollo de las nuevas artes y medios como la fotografía, el cine, la televisión, la música e Internet, que difuminan las fronteras; vivir de espaldas a la naturaleza e imitarla en un mundo artificial; por las influencias de la publicidad y la moda que promulgan lo feo como medio para llamar la atención y obtener una identidad original.
