Miguel Angel Betancur

A pesar de su origen humilde y totalmente alejado de los ambientes intelectuales, Pablo Gargallo llegó a ser una figura fundamental del arte en el París de principios del S.XX, donde realizó aportaciones decisivas en el campo de la escultura.

En cierto modo eclipsado por otros genios como Brancusi, o la mayor parte de los pintores que le fueron contemporáneos, Gargallo fue sin embargo un artista a la altura de todos ellos, y la historia y los historiadores (incluidos los españoles, más proclives a seguir publicitando mitos como Picasso o Buñuel) le deben todavía el lugar que se merece en la vanguardia europea. Pablo Gargallo (1881-1934) nació en Maella (Zaragoza) en el seno de una familia de campesinos.
No es cierto que su padre fuera herrero, ni tampoco que aprendiera de niño los secretos de la forja, aunque tal leyenda sigue sustentando multitud de biografías del artista. En 1888 la familia de Gargallo decidió marchar a Barcelona (aunque aragoneses eran catalanoparlantes), ciudad en la cual daría los primeros pasos en su formación artística. Entró en 1895 en un taller de alfarería, y poco más tarde en el taller del escultor modernista Eusebi Arnau i Mascort. Paralelamente ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, donde estudió sobre todo dibujo y escultura de la mano de Venancio Vallmitjana.
Hacia 1900 Gargallo frecuentaba ya la tertulia del café Els 4 gats. Allí conoció, entre otros, a Picasso y a Isidro Nonell, y junto a ellos se empapó del ambiente vanguardista que a la ciudad condal llegaba desde Europa.

Dos años después le fue concedida una beca para ir a París, pero su marcha se fustró debido a la muerte de su padre, ya que se vio obligado a quedarse en Barcelona para hacerse cargo de la familia. En 1903 sí conseguiría viajar, después de renovar su beca, y se quedó en la capital francesa un año durante el que conoció a Max Jacob y estudió profundamente la obra de Rodin.
A su vuelta a Barcelona, realizó su primera exposición individual, en 1906. El famoso arquitecto modernista Doménech i Montaner le encargó en esta época diversos relieves para la decoración de su Hospital de la Santa Cruz y San Pablo. A partir de entonces los dos colaborarían en varias ocasiones más, destacando entre las piezas de Gargallo los relieves para el fastuoso Palacio de la Música. Hasta el año siguiente realizó diversos trabajos como medallista, en Barcelona y en Madrid, y sufrió sus primeros problemas de salud, a la postre fatales.
Su regreso a París en 1907 supuso un cambio fundamental en su trayectoria. Impresionado por el trabajo de Picasso, realizó su primera pieza en metal no fundido, que significaría la avanzadilla de su reconocible estilo posterior, y que dejaría profunda huella en multitud de escultores. Hacia 1911 retomó este hallazgo y comenzó la primera de sus series de máscaras en cobre, destacando su célebre “Máscara con mechón”. Al tiempo, sus problemas de salud empezaron a ser recurrentes, y su actividad empezó a ser irregular en los siguientes años.
En 1921 fue nombrado profesor de escultura y maestro de repujado en la Escuela Técnica de Oficios de Arte de la Mancomunidad de Cataluña, así como profesor de Escultura de la Escuela de Bellos Oficios. En su etapa como profesor Gargallo conoció a otros maestros que, como él, estaban interesados en el conocimiento de diversas técnicas artesanales, como Lloréns Artigas y Miró. En 1924 fue destituido de ambos puestos por solidarizarse con un compañero que había sido despedido por motivos extradocentes.
En 1926 realizó la “Cabeza de profeta”, germen de una de sus obras fundamentales, posiblemente la pieza por la que es más recordado. Gargallo ya era por estas fechas una figura de prestigio, y alternaba frecuentemente exposiciones en Cataluña con las que realizaba en París y en otros países. Poco después ya dominaba los recursos que le harían ocupar un lugar destacado en las crónicas artísticas de la época. Su “Kiki de Montparnasse”, retrato de la célebre modelo Parísina, ejemplifica su maestría en la síntesis de las formas y en el uso expresivo de los huecos, recurso al que Gargallo siempre otorgó mayor importancia que al volumen.
Para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 se le encargaron cuatro esculturas destinadas a coronar el Estadio Olímpico, obras que posteriormente sufrieron diversos traslados, aunque hoy en día se puede contemplar de nuevo el conjunto original (algunas de ellas reproducidas mediante documentación).
En 1934 expuso en Nueva York, con gran éxito de crítica y público. El respeto del que gozaba entre sus compañeros era inmenso, y su carrera prometía nuevos desafíos. Sin embargo, dos años después, los problemas de salud que había arrastrado durante toda su vida acabaron definitivamente con él. Murió en Reus, ciudad a la que había acudido para inaugurar una nueva exposición.
Pablo Gargallo sintetizó en una obra personalísima todas las influencias de su tiempo, muchas de ellas ciertamente contradictorias, pero que consiguió fusionar con una coherencia asombrosa. Supo combinar el saber tradicional de los artesanos de la forja con las técnicas más modernas de la escultura contemporánea. Nunca abandonó la figuración, pero al mismo tiempo fue uno de los escultores que más contribuyó, con su estilización de las formas, a la posterior evolución abstracta. Trabajó casi siempre con metales, con materiales de gran dureza y consistencia que sin embargo moldeó hasta conseguir composiciones de una gran ligereza y agilidad. Se vio fuertemente influido por la arrolladora novedad de movimientos como el Cubismo, pero buena parte de su estilo y la delicadeza que muchas de sus obras transmiten (el ejemplo de su “Máscara de Greta Garbo con mechón” (”Masque de Greta Garbo à la mèche”) es paradigmático) se debe, en el fondo, a la herencia que siempre conservó del Modernismo.

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