En París se recuerda una artista que estuvo marcada por la existencia de Auguste Rodin. Su obra es intensa, radiante.
La creatividad propia de la escultora francesa Camille Claudel, más conocida hasta ahora por sus relaciones sentimentales con Auguste Rodin, inunda el museo que París dedica al que fuera su amante y maestro. La exposición Camille Claudel 1864-1943, organizada en colaboración con la Fundación Mapfre de Madrid, ciudad donde se expuso por primera vez en España, presenta una retrospectiva de más de 80 obras, algunas de ellas inéditas. Junto a las esculturas, la muestra repasa la vida de la que fuera discípula de Rodin a través de documentos y fotografías que testimonian su estilo artístico personal.
“Yo le enseñé dónde podría encontrar el oro, pero el oro que encontró es todo suyo”, decía Rodin de Claudel, que comenzó a trabajar en su taller a partir de 1884, recordó la agencia Efe.
Juzgada a menudo en referencia a Rodin, el arte de Claudel es “original, intenso y radiante” en sí mismo, y muestra una gran capacidad creativa, en constante búsqueda de “otras influencias y vías” que la distanciaran de su eterno admirado, indican los organizadores.
A medida que su obra se aleja de la de Rodin, Claudel explora las “pequeñas cosas nuevas”, como decía ella, temáticas diferentes para “captar y restituir breves momentos de la vida”.
En http://www.elcolombiano.com.co/BancoConocimiento/G/g_artesd_abril20_2008/g_artesd_abril20_2008.asp?CodSeccion=113
Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)
Camille Claudel representa uno de los casos más dramáticos de la vida de una artista, en este caso agravada por una relación apasionada y a la vez tormentosa con Augusto Rodin, un genio tal vez demasiado grandioso como para intentar crecer a su lado. Y no es que Camille Claudel fuera un chica sumisa o delicada que cayera inocentemente en los brazos de Rodin, al contrario, Claudel fue una mujer de un carácter muy fuerte, que incluso a veces se tachó de autoritaria e incluso de arisca. Por otra parte aunque a veces se ha criticado que Rodin se aprovechara de su labor o que no reconociera el trabajo de Camille en las obras que realizaron a dúo, no es menos cierto que también trató de ayudar a la artista y de promocionar en lo posible su carrera.
Desde muy niña encontró en el modelado su mayor afición y por ello no ha de extrañar que en el momento en el que su familia se traslada a París, busque la forma de aprender el trabajo de la escultura. La suerte le llevó a coincidir con uno de los mejores profesores del momento, Alfred Boucher, que desde el principio advirtió sus enormes dotes artísticas, y lo que es más curioso, observó numerosas coincidencias entre su forma de hacer y el trabajo de Augusto Rodin, al que Camille aún no conocía ni de nombre. La misma casualidad hizo también que en una ausencia de Boucher, Rodin se hiciera cargo de su grupo de alumnos, quedando fascinando desde el primer momento por la figura de Camille. Todo le encantó de ella, por supuesto su talento artístico, tan moderno, tan similar a sus propios objetivos, pero también ese aspecto tan peculiar que tenía Camille, de una belleza misteriosa, en la que coincidían a la par un encanto risueño y un lado salvaje. El resultado fue un enamoramiento apasionado entre los dos, sin que la diferencia de edad constituyera ningún obstáculo, los 43 años de Rodin y los 19 de ella.
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Me he encontrado a mí mismo en un mundo que rápidamente se hace pequeño. Artista, ciudadano americano, ciudadano del mundo, perteneciendo a muchos lugares y a ninguno. En mi vida he vivido los grandes logros de la tecnología y ello cada vez se reflejará más en el arte, ya que los experimentos del ayer son ahora algo de uso común. Me siento lleno de dudas acerca de los valores del arte a medida que me veo inmerso en la era de la tecnología. Todos nosotros nos vemos barridos por toda esta corriente. En donde todo es cambio, me gusta pensar que la escultura tendrá un importante papel, como antídoto para la no-permanencia, con novedades por supuesto pero con una cualidad de durabilidad, no para que termine como otro fenómeno de nuestra era. Pero en realidad eso es lo que es el arte.Continuamente vuelvo a Japón para renovar mi contacto con la tierra, ya que allí todavía queda intacta la familiaridad con materiales de la tierra y la habilidad de las manos japonesas. Sus herramientas tradicionales son exquisitamente útiles. Dentro de poco esto se verá desplazado por las máquinas. Mientras tanto, voy allí como un vagabundo o un ladrón, buscando el último suspiro de la tierra. Cuanto encuentro mis habilidades limitadas, ya que, siempre parezco ser menos que antes. Mi aprendizaje viene de una larga experiencia, aprendiendo de cada nueva pieza una vista interior. Las ganas de descubrir me llevan siempre a lo siguiente a veces con un nuevo conocimiento, quizás por accidente o proveniente de alguna memoria inconsciente. El artista no es sino más que un canal por el cual los espíritus descienden, fantasmas, visiones. […]
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La exposición artística más importante del año está a punto de inaugurarse en el MamBo: la obra de Auguste Rodin. Aquí, desde el embalaje hasta su llegada, está el viaje que hicieron las obras del hombre que transformó la escultura moderna.
Fecha: 04/12/2008 -1354
Las 70 esculturas de la exposición más importante del año en el país, la de Auguste Rodin, llegaron a Bogotá desde Puerto Rico en un embalaje para obras de arte que parecía concebido para llevar al hombre a la luna. Resistentes a los golpes, con aislantes térmicos, barnices retardadores de combustión en caso de incendio, envolturas con acidez neutra para no dañar la obra, travesaños para mantenerla inmóvil y empaques diseñados para evitar la electricidad estática.
El 7 de abril desembarcaron en el aeropuerto El Dorado y fueron llevadas al Museo de Arte Moderno (MamBo), que las esperaba para celebrar sus 45 años de existencia. Sólo el 15 de abril podrán ser abiertas, y sólo verán la luz cuando lleguen al país las mismas personas que las empacaron: el curador del museo de Arte de Ponce, donde estaba la exposición, y el curador del museo Soumaya, donde reposan 52 obras originales del escultor francés. Ese día se hará la aduana de su ingreso al país, en presencia de ambos.
La demora para abrirlas se debe a razones de peso. Las obras sufren cambios por las diferencias climáticas y es necesaria su aclimatación. En el momento del desembalaje de la obra, los curadores harán una ficha técnica para revisar si hay alguna modificación o si sufrió algún rasguño. Si todo está bien, pasará por fin a la sala de exposiciones del MamBo para dar inicio a la exposición La era de Rodin. Entonces usted la verá.
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Las obras del famoso artista francés vienen al Museo de Arte Moderno de Bogotá desde el 22 de abril. Forman parte de la colección del Museo Soumaya de México, la más importante después de la del Museo Rodin de París, y del Museo Ponce de Puerto Rico. También, las obras de sus amigos como Renoir y Camille Claudel.
Auguste Rodin (1840-1917), el gran transformador de la escultura, el que dio movimiento a las piezas y las bajó de los pedestales y las alejó del concepto de monumento tan común en el trabajo de los artistas de su tiempo, decía: “Un artista necesita sólo una buena obra para establecer su reputación”. Llegó a expresar una visión contemporánea de las artes a través de su temperamento curioso, de su interés en dar respuesta a sus múltiples interrogantes sobre la validez de la formación académica y de su predilección para abordar la plástica de una manera distinta, actitud que lo condujo a utilizar varias veces la misma imagen en diferentes contextos, formatos y tamaños, y a ver la anatomía como una herramienta para expresar la espiritualidad humana. Esta visión, novedosa para su época, lo llevó a ser considerado “el primer moderno” de la historia del arte.
Sin embargo este “primer moderno” no había estudiado en la Escuela de Bellas Artes sino en la de Artes Decorativas de París, menospreciada por los de aquella y en general por la gente del arte. Rodin se dio allí la oportunidad de mirar la plástica con otros ojos y conseguir desarrollarse en una vocación que logró cambiar el rumbo de su vida, pues en sus primeros años quería ser sacerdote. La pasión por su oficio lo convirtió en un hombre disciplinado, dedicado a acumular conocimientos, adiestrarse en el manejo del cuerpo humano y estudiar la anatomía, hecho que le granjeó la envidia de escultores reconocidos.
Durante sus primeros años parecía un artista conforme con el naturalismo dominante de la época. Trabajaba entonces para Albert Carrier-Belleuse, empresario para el que realizó la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas. El interés en la obra de sus predecesores lo llevó a Italia (1875) para conocer las piezas de Miguel Ángel. El resultado de su contacto con el ícono del Renacimiento fue La edad de bronce, que se apreciará ahora en Bogotá. Se trata de una pieza presentada en el Salón de 1877 donde desagradó por su realismo y se decía que había sido moldeada sobre el cuerpo del modelo –un soldado belga–, pero que después tuvo éxito al ser exhibida en 1884 en la Royal Academy. A pesar de la conmoción creada cada vez que participaba en un Salón, nunca se dio por vencido. Su primera obra, El hombre de la nariz rota –que va a ser exhibida en el Museo de Arte Moderno de Bogotá– recibió críticas despectivas en 1864. Luego intervino con su pieza San Juan Bautista predicando (1881), a la que años después resolvió desmembrar y crear Torso del hombre que camina, que también se verá en Bogotá. Por esos años, según Cheryl Hartup, del Museo de Arte Ponce de Puerto Rico, “Rodin mostró sus obras y también fungió como jurado. Éste tenía rigurosas normas y buscaba piezas que demostraran el conocimiento que él tenía de la anatomía y del modelado de la figura humana”.
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A pesar de su origen humilde y totalmente alejado de los ambientes intelectuales, Pablo Gargallo llegó a ser una figura fundamental del arte en el París de principios del S.XX, donde realizó aportaciones decisivas en el campo de la escultura.
En cierto modo eclipsado por otros genios como Brancusi, o la mayor parte de los pintores que le fueron contemporáneos, Gargallo fue sin embargo un artista a la altura de todos ellos, y la historia y los historiadores (incluidos los españoles, más proclives a seguir publicitando mitos como Picasso o Buñuel) le deben todavía el lugar que se merece en la vanguardia europea. Pablo Gargallo (1881-1934) nació en Maella (Zaragoza) en el seno de una familia de campesinos.
No es cierto que su padre fuera herrero, ni tampoco que aprendiera de niño los secretos de la forja, aunque tal leyenda sigue sustentando multitud de biografías del artista. En 1888 la familia de Gargallo decidió marchar a Barcelona (aunque aragoneses eran catalanoparlantes), ciudad en la cual daría los primeros pasos en su formación artística. Entró en 1895 en un taller de alfarería, y poco más tarde en el taller del escultor modernista Eusebi Arnau i Mascort. Paralelamente ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, donde estudió sobre todo dibujo y escultura de la mano de Venancio Vallmitjana.
Hacia 1900 Gargallo frecuentaba ya la tertulia del café Els 4 gats. Allí conoció, entre otros, a Picasso y a Isidro Nonell, y junto a ellos se empapó del ambiente vanguardista que a la ciudad condal llegaba desde Europa.
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Escultor alemán, n. en Meiderich, cerca de Duisburgo, el 4 en. 1881, m. en Berlín el 25 mar. 1919. Estudia en Düsseldorf, primero en la Escuela de Artes Decorativas, más tarde en la Acad. de Bellas Artes, hasta 1907. En 1906 había estado en Italia, y de 1910 a 1914 permanecerá en París, donde conoce sus primeros éxitos al exponer cinco esculturas en el primero de los dichos años. En cuanto a su orientación, sufre grandes virajes, indicio de su sensibilidad; si ha comenzado admirando sin reservas a Meunier y a Rodin, si luego ha prestado atención a Maillol, sus amistades definitivas serán Brancusi y Archipenko, pese a que el artista se guarda muchísimo de lanzarse a correr aventuras. En este aspecto, la guerra de 1914, que le obliga a regresar a su patria, será un bien, porque L. mantendrá su estilo intacto; pero las miserias y sufrimientos vistos en los hospitales de guerra, donde sirve como enfermero, le originan una grave psicosis, que no logra vencer. Marcha a Suiza en 1917 y realiza una importante exposición en la Kunsthaus de Zurich. En 1918 regresa a Alemania y se suicida. La brevedad de su vida ha garantizado la unidad y la pureza de su obra, admirable en su parvedad numérica.
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El artista costarricense de mayor éxito y proyección internacional: Francisco Zúñiga es patrimonio universal y uno de los grandes del mundo en la escultura contemporánea del siglo XX.
Se ha dicho de él: “un mexicano célebre nacido en Costa Rica y un costarricense universal radicado en México”.
“Ser original es volver a los orígenes”… Zúñiga supo encontrar en sus obras la raíz primigenia de Mesoamérica, que abarca desde México hasta Colombia, y sus figuras monumentales, la mayoría mujeres indigenas, resumen contundentes la potencia telúrica de la maternidad surgida de estos territorios.Nacido en Costa Rica en 1912, a los 24 años se instaló definitivamente en México, donde hizo crecer hasta la gloria universal una semilla que cultivó en nuestro país, cerca de su padre, Manuel Zúñiga, que era imaginero religioso, el mejor de aquella época.
Muy niño ya dibujaba y modelaba en barro y casi adolescente empezó a ganar premios artísticos, tanto en pintura como en escultura, en la Costa Rica anterior a los años treintas. Pero un hecho, la creación de una polémica Maternidad, merecedora de un premio centroamericano que luego le quitaron merced a pequeñeces y estrechez del medio nacional de aquel entonces (1935), lo convencieron de que debía salir. Supo ver la dimensión de su talento: la capacidad de saltar sobre sí mismo a lo largo y ancho y Costa Rica se le hizo pequeño.
Su hiperbólica trayectoria se hizo en México, es verdad: 62 años vivió allí y se volvió maestro venerado cuyas obras recorren un itinerario de 55 ciudades en el mundo y los mejores museos.
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Una obra escultórica que constituye un hito esencial del arte boliviano y un sustancial aporte a la plástica americana y universal.
Autor: Omar Di Sevo
“Es el caso de la vocación absoluta, del creador nato, añadiendo a esto la más rigurosa conciencia artesana. Sin alarde, en el silencio ardiente que llaman inspiración, echando miradas rápidas hacia el modelo, quien a su vez sigue esa diestra bruja. Marina cumple su comisión natural y sobrenatural de doblar un rostro, un torso o un cuerpo entero.
Como en los mitos, ella nació para el menester de leer lo evidente al vuelo y de rastrear lo escondido, sacándolo a la luz. Y labrada toda ella por la lez de los Andes, ha añadido al don de lugar su lealtad hacia la raza indígena”
Gabriela Mistral, Premio Nóbel.
Las formas adquieren trascendencia en la medida de los contenidos que los determinan, toman las experiencias del ser en la vida, ya que las mismas son realizadas por el artista mismo; sumirse en si y Salir de si mismo. “Mi experiencia de la vida, es el compendio de aquello que me ha afectado en modo tan decisivo que ya lo traigo en mi, como estampada forma y estratificación, como historia interna de la vida”.
Es a la ley de estas “experiencias” que se va desarrollando el proceso creativo de Marina Núñez del Prado; de las excrecencias del ser y de los hallazgos formales de sus investigaciones.
Una etapa de su creación, está caracterizada por obtener ciertos efectos lumínicos que poseen contingencias pictóricas; contrastes de luz y de sombra, sin desintegrar los volúmenes; espacios abiertos y cerrados obtenidos por el juego equilibrado de los volúmenes, con el pulimiento que el color efectúa al modelado, obtenido por el deslizamiento de la luz tras los volúmenes, logrando una transfiguración lírica de la realidad, a diferencia del vitalismo lírico de Rodin.
Auguste Rodin, hace visible un proceso dramático: el nacimiento de la obra, a partir del caos, utilizando la materia uniforme como contraste y dar relieve a la imagen, tanto en contenido como en modelado muestra el romanticismo del escultor francés. Marina consustanciada más con la “problemática” de la escultura de nuestro tiempo, recobra el volumen para hacerlo valer en el espacio como arquitectura, dentro de una concepción cerrada de la forma.
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La Biblioteca Nacional de Francia rinde homenaje a Honoré Daumier
Se cumplen 200 años del nacimiento del célebre caricaturista
París, 05/03/08
Se cumplen 200 años del nacimiento en Marsella de Honoré Daumier, y la Biblioteca Nacional francesa conmemora la efeméride con una completa exposición de su obra litográfica, marcada por un inteligente espíritu satírico hacia la política y la sociedad de su tiempo. A diferencia de la pintura y la escultura, a las que el artista se dedicó sólo de forma ocasional, la realización de grabados en piedra fue una constante a lo largo de su vida, llegando a elaborar hasta cuatro dibujos por semana. A través de estas litografías, en las que muestra su interpretación de la comedia humana, alcanzó gran popularidad.
Sus rompedoras caricaturas se entienden en esta exhibición como símbolo de libertad de expresión y desafío a la censura, pues no debemos olvidar que se fechan en una etapa muy conflictiva de la historia de Francia: entre el ocaso de la monarquía absoluta y la revolución de 1848. Publicarlas supuso para Daumier un desafío a los valores sociales establecidos; pero su eficacia, humor y fuerza subversiva las ha incluido entre las obras más expresivas, polémicas y sugerentes de la historia del arte.
