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El Escultor Miguel Angel Betancur T.

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mabt
at March 23, 2008 in PARA PENSAR, Sobre la Escultura and Divagaciones. 2 Comments

Por Walter correa

Miguel Angel Betancur es es un nombre que es muy común en nuestro mundo de las artes plásticas, porque desde su cuna ha estado vinculado a él por razones muy especiales: es hijo de uno de los escultores más connotados del arte colombiano, el maestro José Horacio Betancur, de su padre heredó la vena artística y el amor por los materiales duros que utilizaba el gran escultor en la elaboración de sus obras, también desde muy temprana edad aprendió a manejar el cincel y demás herramientas para moldear los mencionados materiales.

Siempre se ha sentido orgulloso de su ascendencia pero nunca ha tratado de imitar la obra de su progenitor y mucho menos de aprovecharse de su buen nombre; Miguel Angel ha seguido su propio camino y con su propio esfuerzo y talento se ha hecho también merecedor de un sitial en el campo de las artes visuales. No ha tenido profesión distinta a la de escultor, a la cual se ha dedicado toda su vida y con la cual ha logrado realizarse y ser respetado y acatado entre sus colegas.

Este maestro ha hecho obras monumentales para entidades públicas y privadas y muchas de sus obras están en espacios públicos en variadas ciudades del país como también en algunos museos.

La obra de Miguel Angel se destaca por la finura con que trata el material, el cual respeta y aprovecha hasta el máximo. A este artista no se le puede matricular en una determinada escuela, pues si bien tiene rasgos académicos,aparecen con frecuencia abstracciones y su toque muy personal de cómo comprende y entiende este complejo mundo del arte.

Este maestro ha sido por siempre amante de la naturaleza y por ende de la mujer a la cual la ha dedicado gran parte de su creación artística y la ha moldeado en mármol, arcilla, terracota, piedra, granito esmerilado, hierro, bronce, de ahí que sus mujeres son distintas, no repetitivas y de caracteres muy diferentes, carecen de razas, son el símbolo de la mujer universal que no necesita de lemas publicitarios que la limiten, en resumen la verdadera mujer reina del universo, por eso él con su obra ha sido uno de los artistas que más ha resaltado el valor de la mujer en la historia de la humanidad.

Medellín, Octubre 16 de 2007

Ser artista oficial, alternativo o marginal?

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at January 2, 2008 in Divagaciones. 1 Comment

Ser artista oficial, alternativo o marginal? Ese es el dilema
por Manuel Zavala y Alonso

El artista no escoge el serlo, tiene la necesidad interior de serlo, está más allá de su voluntad; el ser artista es una cuestión de destino o de maldición, puede tener obras buenas y malas, finalmente su condición irreductible es la de ser artista. ¿Qué es un artista?

Es el que crea imágenes que están más allá de lo nombrable; es el que explora las fronteras de los lenguajes y estructuras de las palabras, cuerpos, movimientos, colores, sonidos, espacios, tecnologías, formas e historias; es el que desarrolla discursos que señalan esto y aquello de la sociedad en proceso, independiente de su postura política; es el que renuncia a las formas pervertidas de mercados, marcando en su hacer, una postura de renovación continua y no de repetición de estilos que lo lleven al éxito seguro; el ser artista es una postura, una condición categórica en el individuo; de cierta manera un apostolado, que se verá afectado por la diversidad de elementos de la cotidianidad y de la manera de operar del sistema, llevándolo a elegir entre tres opciones posibles: ser artista oficial, alternativo o marginal.

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INSTRUCCIONES PARA CONVERTIRSE EN UN ARTISTA POSTMODERNO

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at September 18, 2007 in Divagaciones. 0 Comments

por Carlos Yusti

”Me siento avergonzado de muchas obras de arte actual” 
E. Gombrich

En el complejo mundo del arte actual (postmoderno y neoliberal para darle una etiqueta para aquellos preocupados por clasificaciones sumarias y síntesis rotundas) el mercado artístico, el cual engrana en su enrevesada relojería a Museos, galerías privadas, bienales, casas de subasta y cualquier empresario japonés con veleidades de mecenas tardío, ha creado eso del “Artista profesional”. Aunque el concepto se fue cocinando mucho antes con la creación de la Historia del Arte, y perpetrado por reputados profesores universitarios(alemanes, ingleses y franceses) adquiere su perfil decimonónico durante el siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX.
Los grandes artistas clásicos, archivados por la historiografía del Arte, no eran profesionales de arte, en el sentido subrayado el término, y aunque vivían de su arte para sus contratadores y mecenas como príncipes, reyes y prelados eran artesanos, muy dotados, pero en la misma escala de los pajes, sirvientes y cocineros.
Con la modernidad los artistas trataron de no sólo de sobrevivir a través de su trabajo artístico, sino de labrarse una reputación artística tan importante como cualquier otra. Para ello primero trató de romper con los viejos arquetipos de la pintura y la escultura
clásica: perspectiva y formas que buscaban la perfección y la belleza. Luego cuestionó los parámetros inamovibles de la belleza como herencia griega y por último se asomó a la ventana y miró más allá de su estudio y comprendió que aparte de artista sería un cuestionador consumado de la sociedad con sus falaces dogmas y sus desmagializadas normativas. Entonces el artista también asume la vanguardia como ideario estético y político. Ser vanguardista era ir al ritmo de lo nuevo, de todo aquello que abría fisuras en la dura corteza de las conciencias cortesanas del momento.

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De nuevo con ustedes

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at August 13, 2007 in Sobre la Escultura and Divagaciones. 0 Comments

después de un largo receso vuelvo con ustedes !!!

Palabras leídas por mí el Día Sábado de la semana anterior , en la Inauguración de mi grupo escultórico ” Bolivar y La Libertad” colocado en el Parque Principal de la Ciudad de Envigado, Antioquia-Colombia.
Buenos días señoras y señores ¡!!!

Como creador y ejecutor de este grupo escultórico deseo participarles mi alegría del deber cumplido primero que todo al señor Alcalde Héctor Londoño Restrepo, a su grupo de colaboradores, al Centro de Historia de Envigado y por supuesto al Doctor Jorge Iván González alma y nervio de una escultura a Simón Bolivar desde hace más de 20 años.

Hoy vemos cristalizados todos esos sueños e ideales en mi escultura.

Es un grupo escultórico que tiene en todos sus elementos que lo constituyen connotaciones muy claras de pertenencia Envigadeña.

Es una obra de arte tridimensional que nos obliga a recorrerla en todos los sentidos y nos hace participe de todos sus elementos constitutivos , como :

–El Libertador, Don Simón Bolivar y Palacios. Se trata de un Bolivar pacifista, amable, humano, cercano y amigo de todos, un ciudadano más, que lleva en sus manos el pergamino de la constitución expedida en Envigado en 1815.

–Una mujer, en período de gestación, que ofrece una corona de laurel al Padre de la Patria y que representa a la comunidad de Envigado. Está en estado de gravidez mostrando la fecundidad de nuestra raza y cubierta por una túnica que en la parte posterior ondea como la bandera de Envigado.

—Un Esclavo semidesnudo con las cadenas rotas, simbolizando los derechos a la igualdad y a la libertad que defendieron con ahínco nuestros próceres José Félix de Restrepo y José Manuel Restrepo Vélez. El esclavo a más de agradecer con su mirada a quien le hace libre, le ofrece las cadenas rotas como símbolo de su fidelidad.

Los tres están unidos en un abrazo de armonía y cordialidad. Envigado y el esclavo miran al Libertador agradecidos y éste les retribuye ese saludo acogiéndolos con fraternidad.

Todos ellos soportados por unos elementos geométricos rectángulares que recuerdan puntas de vigas y no olvidemos que el nombre de En-vigado viene de ellas.

Para terminar esta breve introducción a mi escultura hago participe a ustedes de mi pensamiento escultórico.

FILOSOFÍA

La Escultura, para mí …es el arte de ennoblecer las cosas sencillas y cotidianas, es el arte de la sinceridad y la veracidad, es el arte donde todo es posible por la magia de los sueños, es el arte de participación, de comunidad, de gozo, de alegría y compañerismo.

Las formas Escultóricas de por sí viven y sueñan, gozan y sienten, siempre y cuando el Escultor viva, goce y sienta lo elemental, sencillo y valedero de un trabajo ennoblecedor y capte la esencia del medio, del paisaje que a diario nos brinda la naturaleza, que razone y discierne, y eleve con su ejemplo lo elemental del percibir humano.

El Escultor no debe pretender encontrar lo nuevo, debe hallar su propia identidad, que está ahí en sus obras que son su presencia concreta .

El Escultor debe amar su trabajo como ama la vida, debe compartir como comparte en sociedad, debe soñar como añoran los seres queridos aquellas cosas amadas, debe nutrirse de las cosas queridas que tiene la vida.

Las Obras Escultóricas son vivencias, son hechos concretos, son reales, son formas, son vida, no son ni muerte ni destrucción del ser.

Los Materiales son agentes que permiten al Escultor la realización concreta de todos sus sueños y paisajes en su momento.

Los Temas son la identificación personal, son la respuesta a los interrogantes íntimos en su existir.

La Escultura es detener el tiempo, es recordar el pasado, es vivir el presente, es proyectar el futuro

La escultura es mi vida, realidad y amor.

Gracias…
Miguel Ángel Betancur Tamayo
Escultor
Agosto 11 de 2007.

El museo perfecto

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at March 7, 2007 in De otros lados and Divagaciones. 0 Comments

por Rosa Olivares

Exit Express nº 25, Febrero 2007

La desazón que nos produce la actividad confusa y la desolación de las salas de los museos, no encaja con esa nueva moda teórica de debatir cuál es, cuál debe de ser, el modelo del museo perfecto. Esta idea de trazar un perfil de museo perfecto nos parece, de entrada, prepotente y excluyente. Si partimos de la convicción de que lo perfecto no existe, pero que si existiera sería inevitablemente aburrido, la idea de crear un museo perfecto nos desalienta tanto como nuestros muy imperfectos museos, nos aburre tanto como estos encuentros endogámicos que pretenden dictar modelos de existencia. Por otra parte, crear este artificial debate a partir de un club de amigos, a los que en alguna ocasión has tenido trabajando para ti, es un juego un tanto sucio para que ese perfil de museo perfecto (y aburrido) se parezca al que dirige el inventor del asunto. Una de las conclusiones de las últimas reuniones de los directores de museos españoles con teóricos extranjeros, da un resultado extraño, una excepcional unanimidad en fomentar un modelo de museo vacío, sólo ocupado por unas etéreas ideas que flotan como fantasmas por sus salas vacías, salas en las que no hay público y en las que posiblemente, a no tardar, tampoco haya obras, sólo documentos. El público, el espectador, parece no tener nada que contar. Tal vez nos olvidamos de que los visitantes a los museos somos todos, pero que cada vez somos más nosotros, es decir sólo nosotros. La politización de todos (iba a decir la mayoría pero no son la mayoría, son todos) nuestros museos nos deja un paisaje aterrador. Porque politización no significa solamente que están sometidos a los intereses y vaivenes de unos políticos mayoritariamente ignorantes en materias culturales (no quiero pensar en qué más son ignorantes) que ponen y quitan directores, cambian exposiciones, líneas de actuación, usando el museo como si fuera su sala de juegos. Politización también se puede aplicar cuando los directores de algunos museos usan a éstos y en general a la cultura como una estrategia de poder público o de enriquecimiento personal. Politización debería considerarse también la idea de que el museo y sus contenidos afectan, interesan y se desarrollan para todos, para la polis, para el pueblo. Para todos nosotros, no sólo para ese nosotros que está integrado por los actores (artistas, críticos, directores de museos y políticos) y que hoy por hoy es el único que pasea por los museos, tal vez solamente el día de la inauguración.

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Arte “degenerado” / Para pensar

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at December 9, 2006 in PARA PENSAR, De otros lados, Sobre el Arte and Divagaciones. 0 Comments

por Jesús Galiana

LAPIZ Revista Internacional de Arte nº 212 .

Se podría afirmar sin dudarlo que un chimpancé con cuernos y plumas verdes no es un chimpancé. En todo caso, es un no-chimpancé , un ejemplar “degenerado” dentro de la familia de los chimpancés. Es decir, un individuo que ha mutado tanto que ha perdido las características esenciales de los chimpancés y, por ende, no es posible seguir considerándolo como parte integrante de esa especie. También podemos afirmar que un hombre que abusa sexualmente de un niño es un degenerado. Es algo en lo que, con seguridad, podría ponerse de acuerdo la práctica totalidad del mundo civilizado.
Pero, aplicado al arte, el término “degeneración” se vuelve mucho más complejo. Al fin y al cabo, para considerar que el legado artístico de una época concreta o de un grupo de artistas es “degenerado”, primero tendríamos que definir cuáles son las características propias del arte, y esto no es tarea fácil. Es fácil ponerse de acuerdo sobre qué características son propias de los chimpancés, pero no sobre qué hace que una pintura, un objeto, o una sinfonía sean considerados fenómenos artísticos, y otros no.

No obstante, el concepto “degeneración” ha estado muy presente en el arte de los últimos dos siglos. Cuando, en 1865, Manet expuso por primera vez su Olympia en el Salon des Refusés, esta obra fue considerada degenerada. Ante la tela, se formaron largas colas de irritados espectadores que agitaban coléricamente sus bastones exigiendo su inmediata retirada. A estos airados señores no les bastaba con que el cuadro hubiera sido rechazado en el salón oficial; lo consideraban inaceptable y querían verlo destruido. Recordemos que el Salon des Refusés (”Salón de los Rechazados”), por usar un término actual, era un salón “alternativo”, donde a los artistas rechazados por los jurados del salón oficial se les permitía exponer sus obras. ¿Qué había en Olympia para provocar tales altercados? ¿Cómo es posible que el público se sintiera tan molesto por su mera existencia? No podía ser únicamente porque ponía en tela de juicio los pilares del arte académico. En aquellos momentos, Olympia fue percibida por la sociedad más conservadora como un auténtico atentado terrorista contra la decencia, el cual debía ser combatido a sangre y fuego, pues retrataba a una “mujer de la calle” –la modelo era una conocida prostituta– mostrando su cuerpo desnudo, sin ninguna coartada mitológica y mirando con descaro al espectador. Aquello era un escándalo intolerable que la burguesía parisina no estaba preparada para digerir.

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La crítica como una de las bellas artes

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at December 7, 2006 in PARA PENSAR, De otros lados and Divagaciones. 0 Comments

Por 
Rosa Olivares


Jueves, 30 de noviembre de 2006

En un país, en una sociedad, con un gobierno de izquierdas es muy difícil hacer una crítica desde la propia izquierda. Es decir, el ser de izquierdas no garantiza comulgar con todas las decisiones, opiniones del gobierno, muy al contrario es desde su propia izquierda desde donde llegan las críticas más duras. Sin embargo, es muy difícil hacer una crítica a la izquierda desde la izquierda sin ser tachado de derechista, de saboteador o de reaccionario. La situación es similar en el arte más actual.
Criticar la supuesta radicalidad de algunas propuestas artísticas o curatoriales desde un lugar aún más radical o simplemente más informado o más amplio, puede resultar mortal para el atrevido crítico. Cualquier crítica a lo “más” del momento será recibida con calificativos de inmovilista, inculto, antiguo, que nos acercarán más a una derecha estética con la que obviamente el “crítico valiente” no tiene nada que ver. Con esta situación la auténtica y más moderna crítica se encuentra prácticamente con las manos atadas a la espalda, ya que cualquier opinión que no esté en la línea, que no sea correcta con la opinión de los árbitros oficiales de la modernidad, será tomada en su contra.

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Todo arte es público

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at November 23, 2006 in De otros lados, Sobre el Arte and Divagaciones. 1 Comment

Reflexión en Café Generación, a propósito de un próximo encuentro de arte.

Por Samuel Vásquez

En Altamira la pintura no se hacía para su exhibición. Se hacía como rito mágico, en lo oscuro de una caverna. Pero no se trataba de una actividad privada: era la práctica de una creencia social.

En China el Arte no estaba destinado a su exhibición. La recepción del Arte estaba dirigida a la contemplación. Pero no a una contemplación socializada sino restringida a quien la poseía. La obra se mantenía enrollada, aislada de todos, y sólo era desenvuelta ante un entendido, o ante un aficionado que se suponía tenía el interés y la gracia suficientes para la contemplación de la obra. La exposición pública de las obras de Arte era impensable. Sólo eran participadas las obras destinadas a la práctica religiosa.

Después de la época de los iconoclastas, la Iglesia Católica, a pesar de la expresa prohibición bíblica, aceptó la colocación de imágenes dentro de los templos, con el argumento de que ellas constituían la Biblia de los analfabetas.

Los museos son creados hace apenas dos siglos y medio con las obras que permitían su transporte de un lugar a otro.
Los murales italianos quedan allá.
Los vitrales románicos quedan allá.

Egipto sigue allá… en parte. Porque ya vemos como ha sido transportado todo un Arte no-transportable a los centros imperiales. Entrar al Museo Británico es, a la vez, un sentimiento de asombro y de rechazo.

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De visita por mi Taller de Escultura

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at November 22, 2006 in Sobre la Escultura and Divagaciones. 0 Comments

En mi taller actualmente se pueden apreciar más o menos unas 160 esculturas en diferentes materiales como la arcilla, terracota, piedra, mármol, granito esmerilado, concreto y bronce.
Se puede hacer un recorrido desde la rígida academia hasta el momento actual. Esto indica una constante de trabajo he investigación en cada uno de los materiales. He aprendido a leer en ellos e interpretar el paisaje que me rodea a través de las formas femeninas.


El cuerpo de la mujer ha sido un pretexto para un análisis, para preguntarme acerca de mi y mi qué hacer frente al arte y la sociedad. Me ha ocurrido lo mismo que a los griegos : trabajaron el hombre inicialmente luego apareció la mujer en esa bella escultura de la “ Venus de Milo “ y su idealización y de allí en adelante el cuerpo de la mujer desnudo toma la iniciativa en la escultura hasta hoy.
Mis esculturas de mujeres no son ninguna mujer en particular, está idealizada, es la búsqueda de la bondad, de la belleza misma a través de sus formas y el encuentro conmigo mismo a través del trabajo continuo y la investigación constante.


Vemos en mi taller esculturas en piedra, madera y mármol; tallados directamente, con un sentido libre de apreciación y cierta abstracción de la figura y de diferentes matices debido a cada una de las diferentes piedras y con un sentido muy arraigado de respeto al material, como tal.


En las terracotas hay un sentido más realista y preciosista de la figura, siguiendo la escultura idealizada, es un trabajo consciente de la búsqueda y entendimiento de la estructura interna de esa bellas formas femeninas.
En los granitos esmerilados es un encuentro logrado por la experimentación y búsqueda de más de 30 años como escultor activo. Allí está la mujer más depurada limpia e integrada al conjunto, dejando atrás los formalismos o reglas académicas, aquí se llega a la justeza del diseño y material, buscando la armonía y el juego de luces y sombras. además el manejo del material en un equilibrio total dando como resultado una escultura muy arraigada a mi sentimiento y pasión por ella.

EL CUERPO DEL ATLETA EN LA ANTIGUA GRECIA/parte tres

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at November 18, 2006 in Divagaciones. 0 Comments

Por Fernando García Romero, Universidad Complutense de Madrid

Así sucedía, en efecto, en la competición femenina quizá más importante de la antigua Grecia, una carrera pedestre (el deporte de competición femenino más extendido en la antigua Grecia) que tenía lugar en honor de la diosa Hera en el mismo santuario en el que se celebraban los Juegos Olímpicos y que conocemos casi exclusivamente por la siguiente descripción de Pausanias (5.16.2-3): “Cada cuatro años tejen a Hera un peplo las 16 mujeres y ellas mismas convocan una competición, los Juegos Hereos. La competición consiste en una carrera para muchachas, no todas de la misma edad, sino que corren las primeras las más jóvenes y después de ellas las segundas en edad y las
últimas las muchachas que son mayores. Y corren de la siguiente manera: llevan suelto
el cabello y una túnica les llega un poco por encima de la rodilla y enseñan el hombro derecho hasta el pecho. También a ellas les está asignado para la competición el estadio olímpico, pero se les reduce para la carrera aproximadamente la sexta parte de
él. A las vencedoras les conceden coronas de olivo y parte de la vaca sacrificada a Cirene y Atalanta (igual que las muchachas de Braurón de las que hablaremos más adelante) son la encarnación del motivo de la “muchacha que huye” mientras mira hacia atrás hacia su perseguidor, un acto que representa simbólicamente la huída de la experiencia traumática de la boda.

Hera, y además les está permitido ofrendar imágenes con inscripciones. Y también hay
mujeres que prestan ayuda a las 16 que dirigen estas competiciones. Estos juegos de muchachas los hacen remontar también a una época antigua, diciéndose que Hipodamía, para dar gracias a Hera por su boda con Pélope, reunió a las 16 mujeres y con ellas fue la primera en organizar los Juegos Hereos”. La vestimenta descrita por Pausanias recuerda la que lleva la muchacha representada en una estatua de mármol, de 1’54 de altura (llamada la “corredora Vaticana”) que pudiera ser copia de una estatua originalmente dedicada por una vencedora en los Juegos Hereos hacia 460 a.C. (Museos Vaticanos, Galleria dei Candelabri, XXXIV.36.1, inv. 2784). Vestida está también la corredora representada en una estatuilla de bronce de procedencia espartana hallada en Epiro (ca. 520, conservada en el Museo Británico, GR 1876, 5-10.1, Bronze 208), y las muchachas que disputan una carrera de velocidad en un vaso ateniense de finales del siglo VI a.C.

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