Por Vassily Kandinsky
La pintura es un arte, y el arte en su conjunto no implica una creación innecesaria de entes que se diluyen en la nada, sino una fuerza que contribuye al desarrollo y la sensibilización del alma humana… El arte es el código que se comunica con el alma de las cosas, que es para ella un pan cotidiano, imposible de obtener de otra manera. Si el arte no cumpliera esta obligación, dejaría un hueco, pues no existeningún poder que pueda tomar su lugar. Cuando el alma humana alcance una vida más intensa, el arte renacerá, pues el alma y el arte se encuentran en relación mutua de efecto y perfección. En los periodos de ideas materialistas, y como consecuencia de ellas, de ateísmo y fines exclusivamente prácticos, que entumecen a un alma abandonada, emerge la postura acerca de que el arte en sí no fue dado a la humanidad con ningún objetivo preciso, sino que es gratuito; el arte existe sólo por el arte. El lazo existente entre el arte y el alma sobrevive como anestesiado. No obstante, pronto hay una revancha para esta situación: el artista y el espectador (que dialogaban espiritualmente) ya no se comprenden; este último le da la espalda al primero o lo considera como a un hipnotizador de destreza e imaginación admirable. En primer término, el artista debe tratar de modificar la situación, asumiendo su obligación frente al arte y frente a sí, abandonar la postura hegemónica de la situación y subordinarse a designios más altos, teniendo importantes, precisos y sagrados deberes. El debe educarse y sumergirse en su propio espíritu, cuidándolo y alimentándolo de modo tal que su talento externo tenga qué vestir y no sea como el guante extraviado de una mano desconocida, una impostación de mano, vacía y sin significado. El artista debe tener qué decir, pues su deber no es dominar la forma sino amoldarla a un contenido. El artista no es un ser con prerrogativas en la vida, no puede existir sin deberes, está sujeto a una labor ardua que a veces le pesa como una cruz. No debe desconocer que todos sus actos, sufrimientos o ideas, construyen la débil, pero también impertérrita y poderosa materia de sus obras, y que por esa razón no es tan libre en la vida como en el arte.
El artista, confrontado con el que no lo es, tiene tres deberes:
1) debe retribuir el talento que le fue dado,
2) sus actos, sentimientos e ideas, como los de los otros hombres, deben constituir la atmósfera espiritual, purificarla o enrarecerla y
3) sus actos, sentimientos e ideas deben constituir la materia de sus obras, interviniendo en esa atmósfera espiritual.
No es, como lo llamó San Peladan, un rey con un poder inmenso, ya que su responsabilidad también es inmensa.
Si el artista es el sacerdote de la belleza, debe perseguirla de acuerdo con el principio de su valor interior. Sólo puede medirse la belleza con la vara de la grandeza y la necesidad interior, que tan útil ha sido hasta ahora. Bello es lo que emerge de la necesidad emocional interior. Bello será lo que sea interiormente bello. Maeterlinck, un pionero en la composición anímica del arte moderno que se producirá en el futuro, dice: No hay nada sobre la tierra que se incline con tanta fuerza a la belleza y se embellezca con tanta sencillez como el alma…Por ello,
escasas son las almas que resisten en la tierra a otra alma entregada a la belleza.
Esta característica del alma es el aceite que potencia el movimiento ascendente y progresivo del triángulo espiritual; movimiento lento, casi imperceptible, en ocasiones detenido aparentemente, pero constante y sin interrupciones.(*)
(*) Fuente: Sobre lo espiritual en el arte, de Vassily Kandinsky; ed. Need,
Susana Weingast
Muchas personas dicen que el arte actual es incomprensible. Esto surge de la comparación del arte llamado clásico que es evidente y de fácil comprensión, porque recurren a pautas de representación y de reconocimiento de los objetos, y lo que nos quiere narrar su autor.
Sin embargo, la mayor parte de las obras que conservamos en los museos de arte clásico son literalmente herméticas para el hombre moderno, siendo capaces tan sólo los historiadores y eruditos de encontrarles sentido.
Es mucho más fácil entender una obra que entra por los sentidos a otra que aunque sea clásica, está narrando un hecho mitológico, o un retrato histórico, el cual muchas veces no conocemos, aunque digamos que nos es más fácil entenderlo.
Desconocemos el repertorio simbólico, mítico y religioso que permitiría que esas imágenes fueran algo más que cuerpos y colores.
Al arte del pasado se lo podría llamar más comprensible, porque nos da los objetos bien reconocibles a la vista y el arte actual al abstraer o geometrizar hace que el espectador no reconozca el objeto y sólo vea caos y tempestades.
El arte del siglo XX evolucionó, hacia una creciente abstracción, abandonando cualquier tipo de referencia de tipo realista.
Esa tendencia a abandonar la inmediatez del objeto, también acontece en el campo de la poesía o en la música, donde lo melódico es descompuesto con crudeza a partir de la música atonal.
Muchas obras, desde la vanguardia, las propuestas actuales, buscan provocar el estupor y acentúan la ilegibilidad, mientras que son también muchísimas las que establecen una relación comunicativa de gran claridad.
Algunas obras modernas incluyen una importante codificación teórica o textual o de color a partir de la que pueden desentrañarse imágenes.
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El pintor Pablo Ruiz Picasso; dijo
“el arte está en decadencia desde la cueva de Altamira”
El concepto del ser creador o genio se define y se asienta como hoy lo conocemos en la edad contemporánea. También es la época en la que es más notoria la hibridación de las artes, es significativo apreciar como hasta bien entrado el siglo XV, durante el Renacimiento italiano no se realiza la distinción entre artesano y artista. Esta clasificación se realiza con el fin de separar al creador de obras múltiples del creador de obras originales. La distinción entre las artes liberales o las bellas artes toma como punto de partida la clasificación formada en la antigua Grecia.
Para Ernst Gombrich “El arte, en realidad no existe. Únicamente hay artistas”. Esta afirmación es hoy cuanto menos discutible como trataré de exponer en las siguientes líneas. La práctica artística si bien carece de una utilidad premeditada exceptuando los casos en los que el arte ha sido usado como propaganda, se relaciona con el concepto de belleza. Las relaciones entre disciplinas artísticas son frecuentes, es usual hablar de la relación entre la música y la pintura, así como escuchar hablar a pintores de las referencias literarias que han usado para la creación de sus obras.
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por VERÓNICA BECERRIL. SERVICIO ESPECIAL. ROMA.
Cuando se piensa en Florencia, nos viene a la mente que se trata de una de las ciudades con más obras de arte del Renacimiento, y esbozamos una sonrisa al pensar en la genial escultura de Miguel Ángel, el imponente David de más de cuatro metros de altura que la Galleria della Accademia aloja entre otras muchas obras de arte.
Pero ahora nos tendremos que acostumbrar a pensar de otro modo, porque el David abandonará su casa desde hace 135 años para instalarse a las afueras de la ciudad, según la propuesta presentada por el asesor toscano a la cultura, Paolo Cocchi. «Florencia ha alcanzado un punto de insostenibilidad turística y la actual colocación del David en el centro es, desde el punto de vista logístico, infeliz», escribió el asesor Cocchi en una carta dirigida al ministro para los Bienes culturales, Francesco Rutelli, y al alcalde de Florencia, Leonardo Domenici, pidiéndoles que el mármol de Miguel Ángel fuera colocado en las nuevas estructuras que se están construyendo para hospedar el nuevo teatro del Maggio Musical Florentino, ideado por el arquitecto Paolo Desideri. Con esta idea, Cocchi afirma que se descongestionarían las largas colas que se forman en la entrada de la Galleria y se «ampliaría el área turística de la ciudad, dando beneficios a todos».
¿A todos? Seguramente no para la propia Galleria della Accademia, que registra -principalmente gracias a albergar el David- más de 1,5 millones de entradas. Pero no sería la única en sentirlo, porque los comerciantes que se encuentran en la zona tendrían que dejar de vender la copia en miniatura del David, y los restaurantes verían disminuido su flujo de turistas. En fin, un gran daño para todos, pero sobre todo para el propio turista, que tendría que desplazarse de un lado a otro de la ciudad para ver los cuadros de la Galería de los Uffizi, el propio David, y el famoso puente Vecchio.
Pero el asesor cultural no da su brazo a torcer y sigue con su batalla personal. «Los flujos turísticos están destinados a crecer de forma rápida sobre todo gracias a las compañías aéreas de bajo coste, por lo que hay que plantarse los problemas de turismo sostenible que se pueden generar», señaló Cocchi.
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El II Fórum de las Culturas hace de Monterrey la ciudad del conocimiento
FRANCESC RELEA - Monterrey - 21/09/2007
Monterrey, capital del Estado de Nuevo León y uno de los motores industriales de México, será durante los próximos 80 días la ciudad del conocimiento. Ésta es la voluntad de autoridades y organizadores del Fórum Universal de las Culturas 2007, inaugurado ayer y que es la continuación del celebrado en Barcelona en 2004. La diversidad cultural, el desarrollo sostenible, el conocimiento y la paz serán los cuatro ejes centrales de los más de mil eventos programados en el Parque Fundidora, un recinto de 114 hectáreas que albergó la primera compañía siderúrgica de América Latina. El ministro de Industria, Joan Clos, estuvo en el acto oficial de apertura en su calidad de ex alcalde de Barcelona, junto al presidente mexicano, Felipe Calderón, el director general de la Unesco, Koïchiro Matsuura, y el secretario general de la Organización de Estados Americanos (OEA), José Miguel Insulza.
El Alto Horno número 3, el mayor vestigio de la industria mexicana del acero, es el escenario del espectáculo emblemático que se representará diariamente en el Fórum para evocar la contribución industrial de esta región y reflexionar sobre el hombre y el progreso. El 90% de las actividades del Fórum se desarrollarán en espacios del Parque Fundidora, que tratan de acercar dos mundos tan dispares como la industria y la cultura.
La exposición Isis y la Serpiente Emplumada es uno de los platos fuertes del Fórum. Es la primera vez que se reúnen, a través de sus deidades, las civilizaciones de Egipto y México: Isis, símbolo de la fertilidad y el conocimiento, y Quetzalcóatl, representante de la bondad y la sabiduría. Gracias al apoyo del Consejo Supremo de las Antigüedades de Egipto, 150 piezas de distintos museos han salido por primera vez de su lugar de origen para viajar a Monterrey. Otras 200 piezas procedentes de los museos de México completan la exposición. Otra exposición, América Migración, muestra los distintos tipos de migraciones que contribuyeron a conformar el continente americano.
En elPais.com
Carpeux, Biografía y obra
El romanticismo permitió a los escultores del siglo XIX liberarse de los modelos del pasado, creando obras nuevas basadas en la imaginación y en las emociones. Carpeaux es un artista tardo-romántico, en él encontramos el paso al Realismo. Busca captar el movimiento e introducir la acción. Rehuye del modelado liso del neoclasicismo y propone las superficies ásperas y el gesto grandilocuente.
Su aspecto realista no está en la temática, sino en la técnica y en la intención realista. Continúa la línea de lo barroco y de lo complicado. Logra un realismo pictórico lleno de vivacidad, preocupado por reflejar vivamente la expresión de la naturaleza. Muestra una atención más detenida de la realidad, una concepción más verista del arte. Su modelo es nervioso e intuitivo, y se aprecia el interés por reflejar el juego incesante de luces y sombras.
Jean-Baptiste Carpeaux nace el 11 de Mayo de 1827 en Valencinnes. Su vocación artística comenzó muy temprano, desde niño realizaba figuras con yeso. A los dieciséis años modela en barro y talla en madera dos frontones para una casa de su ciudad natal.
Sus estudios comienzan con un riguroso aprendizaje artístico. En 1842 se traslada a París para estudiar en la Escuela Real de Dibujo y Matemáticas. De Rude recibe la enseñanza de la escultura romántica, gracias al cual se apartó del academicismo y acuñó un estilo personal libre y vivaz.
En 1854 consigue el Premio de Roma, lo que le permite completar su formación en Italia estudiando la escultura de a antigüedad romana y del Renacimiento, y en particular la figura de Miguel Ángel.
El grupo de Héctor y Astyarax muestra todavía cierta frialdad académica. Sin embargo, El conde Ugolino y sus hijos es el reflejo de la admiración que siente por Miguel Ángel y aquí resume todos los conocimientos adquiridos durante su formación. Para las figuras de los hijos se inspira en el Laooconte y para el padre, en el Pensiodoro. Esta obra causó gran admiración por su fuerza dramática y le sirvió de inspiración a Rodin para concebir su Pensador. A través del bronce, el material preferido por los escultores románticos, Carpeaux muestra la expresividad de sus figuras, la marcada gestualidad de los rostros.
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