Miguel Angel Betancur

por Rosa Olivares


Exit Express, Revista de Información y debate sobre arte actual nº 31

Hace unos años leía en un libro americano de dudosa traducción que los licenciados en Bellas Artes, sólo en Nueva York en un año, eran más que todos los artistas que conocemos del Renacimiento italiano. En una conversación, hace unos días, un joven crítico me comentaba lo difícil que era elegir entre la gran cantidad de artistas que hay hoy en día, “si en la época de Greenberg había 600 artistas en Nueva York, hoy se puede hablar de un millón”. Como siempre, parece que todo sucede en Nueva York, tanto en los libros americanos como en la crítica española. Pero la realidad es que si transpolamos los datos neoyorquinos a los del Estado español la situación final viene a ser similar. En cualquier caso, da igual, no veo la necesidad de acotar un territorio para el arte y/o los artistas. Se dice que “el artista”, hoy, es cosmopolita: nace en Dubai, se forma en Londres, vive en Nueva York y trabaja en Berlín; las vacaciones tal vez sean en Ibiza.

La abundancia de artistas debería ser una satisfacción, significaría un auge desmesurado de obras de arte (la enorme oferta haría incluso que los precios bajasen…), de grandes colecciones, de excelentes exposiciones… Sin embargo, sorprendentemente, esto no es así. Curiosamente, a mayor cantidad menor calidad. Esta superabundancia en la que nos ahogamos deja tras de sí una debilidad de propuestas patética: copia sistemática, frivolidad de planteamientos, efectismo teatral, y ansiedad desmedida por triunfar, no tanto por hacer una gran obra. Una vez más habrá que plantearse quién es un artista y quién un artesano, incluso quién un diletante; tal vez habrá que ver qué es el arte, más allá de la belleza, la decoración, el discurso pseudofilosófico o la coyuntura mercantil. Leonel Moura planteaba hace tiempo que la idea de artista tiene que cambiar, que no basta con hacer un objeto dentro de unos determinados esquemas teóricos o formales, sino que artista debería ser aquel que aportara algo nuevo, diferente, personal a lo ya creado, a lo ya dicho. Si aplicamos este planteamiento, el número de “artistas” censados baja de una manera impresionante pero, ¿quién se lo dice al artista?

¿Todo lo que produce alguien autodenominado artista es arte? Es difícil decir que sí, pero tampoco es fácil saber qué es lo que no es arte, sobre todo en un momento en que una vaca cortada por la mitad, el vapor de los fluidos corporales, o una señora gritando “This is so contemporary” se consideran algunas de las demostraciones plásticas más destacadas del momento. Si el arte se define no por el objeto artístico, el producto final de todo el proceso creativo, sino por las ideas que lo generan, entonces ya no hay límites: todo puede ser arte y por lo tanto, nada sería arte. Igualmente, si hay tantos artistas como ciudadanos, la idea de artista se devaluaría aún más. Estamos llenos de dudas, y tal vez esa sensación de falta absoluta de certezas sea un buen punto de partida para reconducir una situación que se nos escapa de las manos. A todos, aquí y en Nueva York.

http://www.revistasculturales.com/articulos/108/exit-express-revista-de-informacion-y-debate-sobre-arte-actual/801/1/el-artista.html 

Por Esteban Castillo

Cuando hablamos de arte, hablamos de libertad, ya que en un Estado sin libertad el arte y los artistas padecen, se deprimen, se retiran, se suicidan, o emigran hacia otros lugares donde si puedan expresarse.
Cuando no hay libertad para crear, el arte se asusta y la creación se hace subterránea o desaparece.

Hablar de países donde el Estado, ha sido grave para la creación son algunos que nosotros conocemos como de la desaparecida Unión Soviética y de la Alemania nazi.Había al comienzo del siglo XX y unos años antes de la Revolución Rusa, un gran interés por el desarrollo de movimientos de vanguardia y los primeros años, los artistas trabajaron con entusiasmo, nacieron grandes movimientos pictóricos como lo son: el constructivismo, rayonismo, suprematismo y otros movimientos que nutrieron la escultura, el diseño industrial, la tipografía, la danza, el teatro, el cine y la literatura. Los trabajos escultóricos de Pewsner y de Naun Gabo utilizando electricidad para lograr movimiento. Se utilizaron nuevos materiales: plásticos, aceros y otros, que dieron así, una nueva concepción al arte plástico. Con la llegada de Stalin al poder las cosas cambiaron, los artistas debían estar al servicio de la revolución y trabajar dentro de una pintura y escultura tradicional llamada: el Realismo Socialista y por el culto a la personalidad pintando o esculpiendo los retratos de Lenín y Stalín y temas que representaran a los obreros y al campesinado..
Los verdaderos creadores o bien se retiraron o dejaron de crear y otros fueron encarcelados o emigraron a Europa Occidental o, a los Estados Unidos, entre ellos: Wassily Kandisky, mientras Kasimir Malevitch se apartaba de la pintura moderna y volvía a realizar una obra algo figurativa, dejando a un lado el supremátismo y las obras “Cuadrado negro sobre fondo Blanco”(1913) o Cuadrado blanco sobre fondo blanco”(1918) obras que más tarde fueron puestas al margen del movimiento artístico, pero que serán determinante en el arte moderno…… o Vladimir Tatlin, quien se dedicó al diseño de ropas para los obreros, dejando a un lado su obra plástica, fue uno de los primeros en utilizar materiales extra-pictóricos. En los últimos años del eclipsado régimen muchas exposiciones de arte moderno fueron cerradas con buldózer… arte y totalitarismo no se llevan bien…

Con el título de “Arte Degenerado” el nazismo mostró las obras de los grandes creadores del siglo XIX a comienzo del siglo XX, como lo son: Vicent Van Gogh, Marc Chagal, Picasso, Klee, Kandisky, y muchos otros. También se cerró en 1933 la Bauhaus, Escuela de artes y de arquitectura. Algunos cuadros fueron quemados( auto de Fe) y pasó lo mismo con la música de algunos compositores… muchos artistas emigraron a los Estados Unidos.

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Por Adolfo Vásquez Rocca

Muchos creadores, a lo largo de la historia, se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; las pinturas negras y la trágica serie “Los desastres de la guerra”, de Goya; los seres metamorfoseados y devorados en un violento acto sexual de Picasso; el mundo oscuro y árido dibujado por A. Kubin; Francis Bacon, a través de desnudos deformes e incoherentes, sangrientos y deshuesados; el mundo caótico y viscoso de David Lynch con criaturas que fluctúan cambiando su anatomía, amorfas y monstruosas (Eraserhead).
Tod Browning, que presenta un circo repleto de seres con deformaciones espeluznantes que la misma naturaleza ha creado (Freaks).

Lo extremo, lo abyecto, lo grotesco y lo monstruoso, son características que muchos artistas han izado como bandera de su trabajo.
A través de la categoría de lo abyecto o lo monstruoso el artista muestra la vulnerabilidad de la condición humana, no solamente para recrearse en lo deforme y monstruoso, sino para instalarse en el reconocimiento de nuestros primarios impulsos tanáticos, de nuestra condición predadora y autodestructiva, tan difícil de aceptar para una humanidad que aun coquetea con su narcisismo primario. Fueron pues numerosas las desafiantes propuestas ante las cuales se cerró los ojos. Durante mucho tiempo la humanidad apartó la vista ante lo que le desagradaba, frente al reflejo de su propia condición. Volviéndose sólo atenta a las ironías que podían surgir de una cruza incestuosa entre la lectura tendenciosa de la historia del holocausto y las acciones de arte que representándolo lo denunciaban.

Si queremos ser lectores de mala fe, preguntémonos heurísticamente ¿qué fueron los experimentos médicos con presos, las mutilaciones, los ensayos de metamorfosis en los campos de exterminio nazi, sino expresiones avanzadas de lo que hoy conocemos como “body-art”? O, si el exterminio masivo de reclusos en las cámaras de gas, donde muchos morían de asfixia por aplastamiento antes que se liberara el gas letal, ¿No fue acaso sólo un “happenning” equívoco y macabro, cuyo sentido sólo comprendemos plenamente después de conocer las experiencias californianas de los ‘60? Pero qué duda cabe, las manifestaciones dadaístas, surrealistas y situacionistas, comparadas con la “poesía” hitleriana, fueron un simple arrebato neorromántico. Una pálida denuncia del horror.

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Por Gabriel Cocimano

La ironía del arte contemporáneo radica en que, cuanto más el mercado ha logrado posar sus ojos en él, más parece extinguirse por exceso de trivialidad, conformismo y carencia de seducción, diluyéndose en unas reglas que no son las del artista sino las que rigen los vaivenes de la demanda. Ese artista ha perdido soberanía y vitalidad, y se ha convertido en sujeto dependiente de la avidez de un coleccionismo oscuro y de la insaciable voracidad del mercado.

Al coleccionista tradicional se le han sumado nuevos mecenas provenientes del mundo financiero, lo que acaso logre explicar la desmesurada burbuja internacional de los valores del arte. La expansión económica del sector financiero, su disponibilidad de dinero en busca de posibles inversiones alternativas, la escasez de obras de grandes artistas clásicos, que hacen elevar los valores de los contemporáneos, y la avidez por el arte de nuevos consumidores —entre los que se encuentran infinidad de magnates de diverso origen— han hecho disparar al infinito la cotización de las obras. Por todas partes proliferan galerías, nuevos museos, bienales, colecciones, ferias. El arte, ¿está de remate?, ¿o son los coletazos que anteceden a su extinción?

La fascinación que ejerce el arte en algunos sectores remite a un cierto tipo de esnobismo, a ratificar un status socioeconómico, a sentar un prestigio más producto del poderío financiero que de la condición de consumidor cultural. Es una lógica de la banalidad, de la fatuidad que vacía el sentido del arte y cosifica su esencia, y la del artista. Lo que no es banal es la cantidad de dinero que circula en su entorno institucional, y que acaso haga perder por un instante el sentido de esa fatuidad.

La sensación de que la globalización del mercado del arte recorta subjetividades y principios del artista está ligada a la inserción de la producción artística en ese mercado. La multiplicación de encuentros artísticos celebrados periódicamente en diferentes ciudades del mundo —afirma la crítica de arte Andrea Giunta— e inicialmente vinculados a la representación de las naciones se liga, cada vez más, a la figura del «curador»: no son ya los países los que envían a los representantes de su arte sino que son, precisamente, estos curadores, deslocalizados de las naciones, los que definen las listas de «artistas-participantes-invitados». Es lo que convierte a las bienales en espacios de negociación de agendas, representaciones, mercados y prestigios del capital artístico global. El artista bienalizado es, así, el cosmopolita, absorbido por la globalización del mercado.

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del artecontemporáneo’